Muzica electronica de dans (EDM), cunoscuta si sub numele de muzica de dans, muzica de club sau pur si simplu dance, este o gama larga de genuri de muzica electronica cu percutie, realizate în mare parte pentru cluburi de noapte, rave si festivaluri. În general, este produs pentru redare de catre DJ care creeaza selectii fara întreruperi de melodii, numite mixaj DJ, prin trecerea de la o înregistrare la alta. Producatorii EDM îsi interpreteaza si muzica live într-un cadru de concert sau festival, în ceea ce uneori se numeste un PA live.
La sfarsitul anilor 1980 si începutul anilor 1990, ca urmare a aparitiei raving-urilor, radio-piratilor, PartyCrew-urilor, festivalurilor underground si a cresterii interesului pentru cultura cluburilor, EDM a obtinut popularitate în Europa. În Statele Unite, totusi, acceptarea culturii rave nu a fost universala în afara scenelor regionale din New York City, Florida, Midwest si California; desi atat muzica electro, cat si muzica house din Chicago au fost influente atat în Europa, cat si în Statele Unite, mass-media de masa si industria discurilor au ramas în mod deschis ostile acesteia. A existat, de asemenea, o asociere perceputa între EDM si cultura drogurilor, ceea ce a determinat guvernele la nivel de stat si oras sa adopte legi si politici menite sa stopeze raspandirea culturii rave.
Ulterior, în noul mileniu, popularitatea EDM a crescut la nivel global, în special în Statele Unite si Australia. La începutul anilor 2010, termenul „muzica electronica de dans” si initialismul „EDM” au fost împins de industria muzicala si presa muzicala americana, într-un efort de a remarca cultura rave americana. În ciuda încercarii industriei de a crea un anumit brand EDM, initialismul ramane folosit ca termen umbrela pentru mai multe genuri, inclusiv dance-pop, house, techno si electro, precum si subgenurile respective.
Diverse genuri EDM au evoluat în ultimii 40 de ani, de exemplu; house, techno, dance-pop etc. Variația stilistică în cadrul unui gen EDM stabilit poate duce la apariția a ceea ce se numește un subgen. Hibridizarea, în care elementele a două sau mai multe genuri sunt combinate, poate duce la apariția unui gen complet nou de EDM.
Precursori
Diverse genuri EDM au evoluat în ultimii 40 de ani, de exemplu; house, techno, dance-pop etc. Variatia stilistica în cadrul unui gen EDM stabilit poate duce la aparitia a ceea ce se numeste un subgen. Hibridizarea, în care elementele a doua sau mai multe genuri sunt combinate, poate duce la aparitia unui gen complet nou de EDM.
Dub
Autorul Michael Veal considera ca muzica dub, o muzica jamaicana care provine din roots reggae si cultura sound system care a înflorit între 1968 si 1985, este unul dintre precursorii importanti ai muzicii de dans electronice contemporane. Productiile dub erau piese reggae remixate care puneau accent pe ritm, elemente lirice si melodice fragmentate si texturi reverberante. Muzica a fost introdusa de ingineri de studio, precum Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee “Scratch” Perry si Scientist.[8] Productiile lor au inclus forme de editare a casetei si procesare a sunetului pe care Veal le considera comparabile cu tehnicile folosite în muzica concreta. Producatorii de dub au realizat deconstructii improvizate ale mixurilor reggae cu mai multe piese existente folosind placa de mixare de studio ca instrument de performanta. De asemenea, au pus în prim plan efecte spatiale, cum ar fi reverb si întarziere, utilizand în mod creativ rutarile de trimitere auxiliare. Roland Space Echo, produs de Roland Corporation, a fost utilizat pe scara larga de producatorii de dub în anii 1970 pentru a produce efecte de ecou si delay. În ciuda echipamentului electronic limitat disponibil pentru pionierii dublului, precum King Tubby si Lee „Scratch” Perry, experimentele lor în cultura remixurilor au fost de varf din punct de vedere muzical. Ambient dub-ul a fost initiat de King Tubby si de alti artisti de sunet jamaicani, folosind electronice ambientale inspirate de DJ, complet cu drop-outs, ecou, egalizare si efecte electronice psihedelice. A prezentat tehnici de stratificare si a încorporat elemente de muzica mondiala, linii de bas profunde si sunete armonice. Au fost, de asemenea, folosite tehnici precum o întarziere lunga a ecoului.
Hip hop
Muzica hip hop a avut o oarecare influenta în dezvoltarea muzicii electronice de dans înca din anii 1970. Inspirat de cultura jamaicana a sistemului de sunet, DJ-ul jamaican-american Kool Herc a introdus în Bronx sistemele de difuzoare mari de bass grele. Partidele sale sunt creditate ca au dat startul miscarii hip-hop din New York în 1973. O tehnica dezvoltata de DJ Kool Herc, care a devenit populara în cultura hip hop, a fost redarea a doua copii ale aceluiasi disc pe doua placi turnante, în alternanta, si în punctul în care o piesa prezenta o pauza. Aceasta tehnica a fost folosita în continuare pentru a bucla manual o pauza pur percutanta, ducand la ceea ce mai tarziu a fost numit break beat. Turntablismul îsi are originile în inventarea placii turnante cu actionare directa, de catre Shuichi Obata, un inginer la Matsushita (acum Panasonic). În 1969, Matsushita l-a lansat sub numele de SP-10, prima placa turnanta cu actionare directa de pe piata si prima din influenta lor serie Technics de placi turnante. Cea mai influenta placa turnanta a fost Technics SL-1200, care a fost dezvoltata în 1971 de o echipa condusa de Shuichi Obata la Matsushita, care apoi a lansat-o pe piata în 1972. În anii 1980 si 1990, DJ-ii hip-hop au folosit platourile ca instrumente muzicale de sine statatoare, iar utilizarea virtuozica a devenit o practica creativa numita turntablism.
Disco
În 1974, primul hit disco al lui George McCrae „Rock Your Baby” a fost unul dintre primele discuri care a folosit o masina de tobe, o masina de ritm Roland timpurie. Folosirea aparatelor de tobe în productia disco a fost influentata de „Family Affair” (1971) a lui Sly and the Family Stone, cu ritmul sau reluat în „Rock Your Baby” a lui McCrae[23] si „Why Can’t We Live” de Timmy Thomas. Împreuna” (1972). Producatorul disco Biddu a folosit sintetizatoare în mai multe cantece disco din 1976 pana în 1977, inclusiv „Bionic Boogie” din Rain Forest (1976), „Soul Coaxing” (1977) si Eastern Man and Futuristic Journey (înregistrat din 1976 pana în 1977). Acte precum Donna Summer, Chic, Earth, Wind, and Fire, Heatwave si Village People au contribuit la definirea sunetului disco de la sfarsitul anilor 1970. Giorgio Moroder si Pete Bellotte au produs „I Feel Love” pentru Donna Summer în 1977. A devenit primul hit disco binecunoscut care a avut o piesa secundara complet sintetizata. Alti producatori disco, cel mai faimos producator american Tom Moulton, au preluat idei si tehnici din muzica dub (care a venit odata cu migratia jamaicana din ce în ce mai mare la New York în anii 1970) pentru a oferi alternative la stilul de patru la etaj care domina. La începutul anilor 1980, popularitatea muzicii disco a scazut brusc în Statele Unite, abandonata de marile case de discuri si producatori americani. Euro disco a continuat sa evolueze în cadrul scenei de muzica pop mainstream.
Synth-pop
Synth-pop (prescurtare de la „synthesizer pop”; numit si „techno-pop”) este un subgen al muzicii new wave care a devenit proeminent la sfarsitul anilor 1970 si prezinta sintetizatorul ca instrument muzical dominant. A fost prefigurat în anii 1960 si începutul anilor 1970 prin utilizarea sintetizatoarelor în rock progresiv, electronic, art rock, disco si în special „Krautrock” al unor trupe precum Kraftwerk. A aparut ca gen distinct în Japonia si Regatul Unit în epoca post-punk, ca parte a miscarii new wave de la sfarsitul anilor 1970 pana la mijlocul anilor 1980. Primii pionierii synth-pop au inclus grupul japonez Yellow Magic Orchestra si trupele britanice Ultravox, Human League si Berlin Blondes. Human League a folosit sintetizatoare monofonice pentru a produce muzica cu un sunet simplu si auster. Dupa descoperirea lui Gary Numan în UK Singles Chart în 1979, un numar mare de artisti au început sa se bucure de succes cu un sunet bazat pe sintetizator la începutul anilor 1980, inclusiv debutanti de la sfarsitul anilor 1970 precum Japan si Orchestral Maneuvers in the Dark si nou-veniti precum precum Depeche Mode si Eurythmics. În Japonia, succesul Yellow Magic Orchestra a deschis calea pentru trupe synth-pop precum P-Model, Plastics si Hikashu. Dezvoltarea sintetizatoarelor polifonice ieftine, definirea MIDI si utilizarea ritmurilor de dans, au condus la un sunet mai comercial si mai accesibil pentru synth-pop. Acest lucru, adoptarea sa de catre trupele constiente de stil din miscarea New Romantic, împreuna cu ascensiunea MTV, a condus la succesul unui numar mare de trupe synth-pop britanice (inclusiv Duran Duran si Spandau Ballet) în Statele Unite. Utilizarea esantionarii digitale si a buclei în muzica populara a fost lansata de trupa japoneza de muzica electronica Yellow Magic Orchestra (YMO). Abordarea lor pentru esantionare a fost un precursor al abordarii contemporane de construire a muzicii prin taierea fragmentelor de sunete si punerea lor în bucla folosind tehnologia computerizata. „Computer Game/Firecracker” (1978) a interpolat o melodie a lui Martin Denny si a esantionat sunetele jocurilor video Space Invaders Technodelic (1981) a introdus utilizarea esantionarii digitale în muzica populara, ca primul album constand în mare parte din mostre si bucle. Albumul a fost produs folosind samplerul digital PCM LMD-649 de la Toshiba-EMI, pe care inginerul Kenji Murata l-a creat la comanda pentru YMO, e nevoie de o sursa mai buna] LMD-649 a fost folosit si pentru sample-uri de catre alti artisti synthpop japonezi la începutul anului. 1980, inclusiv actiuni asociate YMO, cum ar fi Chiemi Manabe si Logic System.
Dance Music
în anii 1980 Vezi si: hip hop de scoala noua, bas din Miami, muzica freestyle, hip house, latin house si muzica de dans industrial Aparitia muzicii electronice de dans în anii 1980 a fost modelata de dezvoltarea mai multor instrumente muzicale electronice noi, în special cele de la japoneza Roland Corporation. Roland TR-808 (deseori prescurtat ca „808”) a jucat un rol important în evolutia muzicii de dans,[46] dupa ce „Planet Rock” (1982) al lui Afrika Bambaataa l-a facut foarte popular pe ringurile de dans. Piesa, care a prezentat si linia melodica de la Trans-Europe Express de la Kraftwerk, a informat dezvoltarea muzicii electronice de dans si a subgenurilor, inclusiv Miami bass si Detroit techno, si a popularizat 808 ca „element fundamental al sunetului futurist”. Potrivit lui Slate, „Planet Rock” „nu a pus atat de mult 808 pe harta, cat a reorientat o întreaga lume a muzicii dance post-disco în jurul lui”. Roland TR-909, TB-303 si Juno-60 au influentat în mod similar muzica de dans electronica, cum ar fi techno, house si acid.
Post-Disco
În timpul erei post-disco, care a urmat reactiei împotriva „discotei” care a început la mijlocul si sfarsitul anului 1979, care în Statele Unite a dus la tulburari civile si o revolta în Chicago cunoscuta sub numele de Disco Demolition Night, o miscare subterana. pe Coasta de Est a început sa apara muzicii „dezbracate” inspirate de disco, cu „sunete radical diferite”. Aceasta noua scena a fost vazuta în primul rand în zona metropolitana New York si a fost condusa initial de artistii contemporani urbani care au raspuns la supracomercializarea si disparitia ulterioara a culturii disco. Sunetul care a aparut provine din partea electronica a P-Funk a discoteca, a muzicii dub si a altor genuri. Cea mai mare parte a muzicii produsa în aceasta perioada a fost, la fel ca disco, destinata unei piete conduse de single-uri. În acest moment, controlul creativ a început sa se schimbe catre case de discuri independente, producatori mai putin consacrati si DJ de club. Alte stiluri de dans care au început sa devina populare în perioada post-disco includ dance-pop, boogie, electro, Hi-NRG, Italo disco, house si techno.
Electro
La începutul anilor 1980, electro (prescurtarea de la „electro-funk”) a aparut ca o fuziune între electro-pop, funk si boogie. Numiti si electro-funk sau electro-boogie, dar mai tarziu prescurtat la electro, pionierii citati includ Ryuichi Sakamoto, Afrika Bambaataa, Zapp, D.Train si Sinnamon. Hip-hop-ul si rapul timpuriu, combinate cu influentele electropop germane si japoneze, cum ar fi Kraftwerk si Yellow Magic Orchestra, au inspirat nasterea electro-ului. Pe masura ce sunetul electronic s-a dezvoltat, instrumente precum chitara bas si tobe au fost înlocuite cu sintetizatoare si, mai ales, cu masini de tobe emblematice, în special Roland TR-808 si Yamaha DX7. Primele utilizari ale TR-808 includ cateva piese Yellow Magic Orchestra în 1980–1981, piesa din 1982 „Planet Rock” de Afrika Bambaataa si melodia din 1982 „Sexual Healing” de Marvin Gaye. În 1982, producatorul Arthur Baker, împreuna cu Afrika Bambaataa, a lansat „Planet Rock”, care a fost influentat de Yellow Magic Orchestra, a folosit mostre Kraftwerk si a avut ritmuri de tobe furnizate de TR-808. Planet Rock a fost urmat mai tarziu în acel an de un alt disc electro revolutionar, „Nunk” de Warp 9. În 1983, Hashim a creat un sunet electro-funk cu „Al-Naafyish (The Soul)” care l-a influentat pe Herbie Hancock, rezultand în hitul sau „Rockit” în acelasi an. Începutul anilor 1980 a fost punctul de varf al electro-ului. Potrivit autorului Steve Taylor, Planet Rock al lui Afrika Bambaataa serveste drept „sablon pentru toata muzica dance interesanta de atunci”.
House Music
La începutul anilor 1980, jucatorii de la radio din Chicago The Hot Mix 5 si DJ-ii de club Ron Hardy si Frankie Knuckles au cantat diverse stiluri de muzica dance, inclusiv discuri disco mai vechi (în mare parte melodii Philly disco si Salsoul, piese electro funk ale unor artisti precum Afrika Bambaataa, Italo disco mai nou, muzica hip hop B-Boy de Man Parrish, Jellybean Benitez, Arthur Baker si John Robie si muzica pop electronica de Kraftwerk si Yellow Magic Orchestra. Unii au realizat si au cantat propriile editari ale melodiilor lor preferate pe banda reel-to-reel si, uneori, au amestecat efecte, tobe si alte instrumente electronice ritmice. Cantecul hipnotic de dans electronic „On and On”, produs în 1984 de DJ-ul din Chicago Jesse Saunders si co-scris de Vince Lawrence, avea elemente care au devenit elementele de baza ale sunetului house timpuriu, precum sintetizatorul de bas Roland TB-303 si vocea minimala. precum si o masina de toba Roland (în special TR-808) si un sintetizator Korg (în special Poly-61). „On and On” este uneori citat drept „înregistrarea primei case”, desi au fost citate si alte exemple din acea perioada, cum ar fi „Music is the Key” (1985) de JM Silk. Muzica house s-a raspandit rapid în orasele americane, inclusiv New York, Newark si Detroit – toate acestea si-au dezvoltat propriile scene regionale. La mijlocul pana la sfarsitul anilor 1980, muzica house a devenit populara în Europa, precum si în orasele mari din America de Sud si Australia. Chicago House a cunoscut un oarecare succes comercial în Europa cu lansari precum „House Nation” de House Master Boyz si Rude Boy of House (1987). Dupa aceasta, o serie de lansari inspirate de house, cum ar fi „Pump Up The Volume” de M|A|R|R|S (1987), „Theme from S’Express” de S’Express (1988) si „Doctorin’ the House” de Coldcut (1988) a intrat în topurile pop. Instrumentarea electronica si aranjamentul minimal al lui Charanjit Singh Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982), un album de ragas indieni interpretat în stil disco, a anticipat sunetele muzicii acid house, dar nu se stie ca ar fi avut vreo influenta. despre genul anterior redescoperirii albumului în secolul 21.
Techno, Acid House, Rave
La mijlocul anilor 1980, muzica house a prosperat pe mica insula Baleare Ibiza, Spania. Sunetul balear era spiritul muzicii care iesea pe insula la acea vreme; combinatia dintre vechile discuri de vinil rock, pop, reggae si disco, împreuna cu o atitudine „orice merge”, a facut din Ibiza un centru al experimentelor muzicale induse de droguri. Un club numit Amnesia, al carui DJ rezident, Alfredo Fiorito, a fost pionierul casei din Baleare, a fost centrul scenei. Amnezia a devenit cunoscuta în toata Europa si, de la mijlocul pana la sfarsitul anilor 1980, atragea oameni de pe tot continentul. Pana în 1988, muzica house devenise cea mai populara forma de muzica de club din Europa, acid house devenind o tendinta notabila în Marea Britanie si Germania în acelasi an. În Marea Britanie, o subcultura consacrata a petrecerilor în depozit, centrata pe scena sistemului de sunet britanic afro-caraibien, a alimentat after-part-uri underground care prezentau exclusiv muzica de dans. Tot în 1988, atmosfera de petrecere din Baleare asociata DJ-ului Alfredo din Ibiza a fost transportata la Londra, cand Danny Rampling si Paul Oakenfold au deschis cluburile Shoom si, respectiv, Spectrum. Ambele locuri au devenit sinonime cu acid house si în aceasta perioada MDMA a castigat proeminenta ca drog de petrecere. Alte cluburi importante din Marea Britanie au inclus Back to Basics din Leeds, Sheffield’s Leadmill and Music Factory si The Haçienda din Manchester, unde spotul lui Mike Pickering si Graeme Park, Nude, a fost un teren de proba important pentru muzica dance underground americana. Succesul house si acid house a deschis calea pentru Detroit Techno, un stil care a fost sustinut initial de o mana de cluburi de muzica house din Chicago, New York si nordul Angliei, cluburile din Detroit ajungand mai tarziu din urma. Termenul Techno a fost folosit pentru prima data dupa lansarea unei compilatii de 10 Records/Virgin Records intitulata Techno: The Dance Sound of Detroit în 1988.
Dance Music in anii 90′
Trance
Trance a aparut din scena rave din Regatul Unit la sfarsitul anilor 1980 si s-a dezvoltat în continuare la începutul anilor 1990 în Germania, înainte de a se raspandi în restul Europei, ca o ramura mai melodica din techno si house. muzica era în curs de dezvoltare în Europa, genul strangea public si în statul indian Goa. Transa este în mare parte instrumentala, desi vocea poate fi amestecata: în mod obisnuit, acestea sunt interpretate de soliste femei mezzo-soprano pana la soprane, adesea fara o structura traditionala de vers/cor. Forma vocala structurata în muzica trance formeaza baza subgenului transa vocala, care a fost descrisa drept „maroasa, vertiginoasa si operica” si „protagoniste feminine eterice care plutesc printre sintetizatoare”. Muzica trance este împartita într-un numar de subgenuri, inclusiv transa acida, transa clasica, transa hard, transa progresiva si transa înaltatoare.[necesita citare] Transa înaltatoare este cunoscuta si sub numele de „transa de imn”, „transa epica”. „transa comerciala”, „transa de stadion” sau „transa euforica” si a fost puternic influentata de muzica clasica în anii 1990 si 2000 de artisti de seama precum Ferry Corsten, Armin Van Buuren, Tiësto, Push, Rank 1 si în prezent odata cu dezvoltarea subgenului „orchestral uplifting trance” sau „lifting trance with symphonic orchestra” de catre artisti precum Andy Blueman, Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone&Simon O’Shine etc. Strans legat de Uplifting Trance este Euro-trance, care a devenit un termen general pentru o mare varietate de muzica de dans europeana foarte comercializata. Mai multe subgenuri sunt încrucisate cu alte genuri majore de muzica electronica. De exemplu, Tech trance este un amestec de transa si techno, iar Vocal trance „combina elementele progresive [de transe] cu muzica pop”. Genul de transa de vis a aparut la mijlocul anilor 1990, popularitatea sa fiind condusa atunci de Robert Miles. AllMusic afirma despre transa progresiva: „aripa progresiva a multimii de transa a condus direct la un sunet mai comercial, orientat spre topuri, deoarece transa nu se bucurase niciodata de multa actiune în topuri în primul rand. Subliniind sunetul mai fin al Eurodance sau house (si ocazional mai mult care aminteste de Jean-Michel Jarre decat de Basement Jaxx), Progressive Trance a devenit sunetul ringurilor de dans din lume pana la sfarsitul mileniului. Criticii i-au ridiculizat accentul pe defectiuni previzibile si lipsa relativa de îndemanare de a mixa, dar transa progresiva a fost pusa în joc. de cel mai tare DJ.”
Breakbeat Hardcore, Jungle, Drum and Bass
La începutul anilor 1990, în scena rave s-a dezvoltat un stil de muzica care avea o identitate diferita de house si techno americana. Aceasta muzica, la fel ca hip-hop-ul de dinainte, combina beat-uri sau breakbeats sincopate esantionate, alte mostre dintr-o gama larga de genuri muzicale diferite si, ocazional, mostre de muzica, dialog si efecte din filme si programe de televiziune. În comparatie cu stilurile anterioare de muzica dance, cum ar fi house si techno, asa-numita „muzica rave” tindea sa accentueze sunetele de bas si sa foloseasca tempo-uri mai rapide, sau batai pe minut (BPM). Acest subgen era cunoscut sub numele de rave „hardcore”, dar înca din 1991, unele piese muzicale formate din aceste breakbeat-uri cu ritm înalt, cu linii de bas grele si mostre de muzica jamaicana mai veche, au fost denumite „jungle techno”, un gen. influentat de Jack Smooth si Basement Records, iar mai tarziu doar „jungla”, care a devenit recunoscut ca un gen muzical separat popular la rave si la radioul pirat din Marea Britanie. Este important sa retineti, atunci cand discutam despre istoria drum & bass, ca înainte de jungle, muzica rave devenea mai rapida si mai experimentala. Pana în 1994, jungla a început sa castige popularitate, iar fanii muzicii (deseori denumiti junglists) au devenit o parte mai recunoscuta a subculturii tineretului. Genul s-a dezvoltat în continuare, încorporand si combinand elemente dintr-o gama larga de genuri muzicale existente, inclusiv sunetul raggamuffin, dancehall, MC chants, dub basslines si percutie breakbeat din ce în ce mai complexa, editata intens. În ciuda afilierii cu scena rave alimentata de extaz, Jungle a mostenit si unele asocieri cu violenta si activitatea criminala, atat din cultura bandelor care afectase scena hip-hop din Marea Britanie, cat si ca urmare a sunetului si temelor deseori agresive sau amenintatoare ale junglei. violenta (de obicei reflectata în alegerea probelor). Cu toate acestea, acest lucru s-a dezvoltat în tandem cu reputatia adesea pozitiva a muzicii ca parte a scenei rave mai largi si a culturii muzicale jamaicane bazate pe sali de dans, predominant la Londra. Pana în 1995, fie ca o reactie la sau independent de aceasta schisma culturala, unii producatori din jungla au început sa se îndeparteze de stilul influentat de ragga si sa creeze ceea ce va fi etichetat colectiv, pentru comoditate, ca drum and bass.
Dance Music in secolul 21
Dubstep
Dubstep este un gen de muzica electronica de dans care a aparut în sudul Londrei la sfarsitul anilor 1990. Se caracterizeaza în general prin modele ritmice rare, sincopate, cu linii de bas care contin frecvente sub-bas proeminente. Stilul a aparut ca o ramura a garajului din Marea Britanie, bazandu-se pe o linie de stiluri înrudite, cum ar fi 2-step, dub reggae, jungle, broken beat si grime. În Regatul Unit, originile genului pot fi urmarite pana la cresterea scenei de petrecere a sistemului audio jamaican la începutul anilor 1980. Cele mai vechi versiuni dubstep cunoscute dateaza din 1998 si au fost de obicei prezentate ca fete B ale lansarilor simple de garaj în 2 pasi. Aceste piese au fost remixuri mai întunecate, mai experimentale, cu mai putin accent pe voce si au încercat sa încorporeze elemente de breakbeat si tobe si bas în 2 pasi. În 2001, aceasta si alte melodii de muzica dark garage au început sa fie prezentate si promovate la clubul de noapte Plastic People din Londra, la noaptea „Forward” (uneori stilizata ca FWD>>), care a continuat sa fie considerata influenta în dezvoltarea dubstep-ului. . Termenul „dubstep” cu referire la un gen de muzica a început sa fie folosit în jurul anului 2002 de case de discuri precum Big Apple, Ammunition si Tempa, moment în care tendintele stilistice utilizate în crearea acestor remixuri au început sa devina mai vizibile si mai distincte de 2- pas si murdarie.
Electro House
Electro house este o forma de muzica house caracterizata printr-o linie de bas proeminenta sau toba si un tempo între 125 si 135 de batai pe minut, de obicei 128. Originile sale au fost influentate de electro, electroclash Termenul a fost folosit pentru a descrie muzica multor DJ Mag Top 100 DJ, inclusiv Dimitri Vegas & Like Mike, Hardwell, Skrillex, si Steve Aoki. DJ-ul italian Benny Benassi, cu piesa sa „Satisfaction” lansata în 2002, este vazut ca precursorul electro-house-ului care l-a adus în mainstream. La mijlocul anilor 2000, electro-house a cunoscut o crestere a popularitatii, cu hituri precum remixul Tom Neville al piesei I See Girls de la Studio B în 2005 (UK #11). În noiembrie 2006, piese electro-house „Put Your Hands Up For Detroit” de Fedde Le Grand si remixul D. Ramirez din „Yeah Yeah” de Bodyrox si Luciana au ocupat locurile numarul unu si, respectiv, numarul doi în Topul Regatului Unit. 40 de topuri de single. De atunci, au aparut producatori electro-house precum Feed Me, Knife Party, The M Machine, Porter Robinson, Yasutaka Nakata si Dada Life.
Trap Music (EDM)
Muzica trap (EDM) a aparut din techno, dub si Dutch House, dar si din hip-hopul sudic la sfarsitul anilor 2000 si începutul anilor 2010. Aceasta forma de muzica trap poate fi simplificata prin aceste trei caracteristici: „1/3 hip hop (tempo si structura melodiei sunt similare, majoritatea pieselor sunt de obicei între 70–110 bpm) – cu vocea uneori redusa, 1/3 muzica de dans – lucrari de sintetizatoare olandeze înalte, esantionare Hardstyle, precum si o multitudine de remixuri trap ale melodiilor populare EDM si 1/3 dub (focalizare la frecventa joasa si accent puternic pe repetitivitate pe parcursul unei melodii)”. Unii dintre artistii care au popularizat acest gen, alaturi de altii, potentiali producatori precum RL Grime cu piesele „Core” si „Scylla” lansate în 2014, Flosstradamus cu albumul „Hdynation Radio” lansat în 2015 si Carnage ( DJ) cu piesa sa „Turn Up” lansata în 2012. Muzica trap în aceasta conotatie a fost caracterizata de „sintetizatoare pline de suflet, 808-uri, flaut de pan, capcane ascutite si vocale lungi, cu sirop” care au creat batai murdare si agresive, rezultand „melodii întunecate”. Trap este acum folosit în principal ca remixuri.
Terminologie
Cea mai timpurie utilizare a termenului „muzica electronica de dans” (EDM) a fost de catre muzicianul, producatorul, managerul si inovatorul englez Richard James Burgess în 1980, al carui single „European Man” cu trupa sa Landscape a folosit termenul pe spatele single-ului. manson de înregistrare: „Electronic Dance Music… EDM; computer programat la perfectiune pentru placerea ta de ascultare.”[104] Prin urmare, Burgess este cunoscut ca a inventat termenul, precum si „New Romantic”. Ca raspuns la o întrebare despre faptul ca a fost creditat cu inventarea termenului New Romantic într-un interviu pentru The Electricity Club, Burgess a spus: „Initial, foloseam trei termeni – Futurist, Electronic Dance Music (singlele Landscape au imprimat EDM) si New. Romantic.” În Statele Unite, termenul a fost folosit înca din 1985, desi termenul „muzica de dans” nu a prins ca termen general.[95] Scriind în The Guardian, jurnalistul Simon Reynolds a remarcat ca adoptarea de catre industria muzicala americana a termenului EDM la sfarsitul anilor 2000 a fost o încercare de a re-branding „cultura rave” din SUA si de a o diferentia de scena rave din anii 1990. A fost descrisa ca o era a muzicii electronice, fiind descrisa într-un articol de la MixMag ca fiind „sunetul de picaturi grele, plin de stadion, de pompare, de top în topuri, sunet comercial masiv care a cucerit America… posibil undeva. între electro si progressive house, regizat de Michael Bay si, ca multe genuri muzicale, sa încerci sa o precizezi exact este ca si cum ai încerca sa apuci un pumn de apa”. În Marea Britanie, „muzica de dans” sau „dans” sunt termeni mai des întalniti pentru EDM. Ceea ce este perceput pe scara larga a fi „muzica de club” s-a schimbat de-a lungul timpului; acum include diferite genuri si este posibil sa nu cuprinda întotdeauna EDM. În mod similar, „muzica electronica de dans” poate însemna lucruri diferite pentru diferiti oameni. Atat „muzica de club” cat si „EDM” par vagi, dar termenii sunt uneori folositi pentru a se referi la genuri distincte si neînrudite (muzica de club este definita de ceea ce este popular, în timp ce EDM se distinge prin atribute muzicale). Desi Billboard a debutat într-un top „dance” în 1974, industria muzicala mai mare din SUA nu a creat topuri muzicale decat la sfarsitul anilor 1990. În iulie 1995, Nervous Records si Revista Project X au gazduit prima ceremonie de decernare a premiilor, numind-o „Electronic Dance Music Awards”.
Productie
O configuratie tipica de home studio pentru productia EDM cu computer, interfata audio si diverse instrumente MIDI. Muzica electronica de dans este în general compusa si produsa într-un studio de înregistrare cu echipamente specializate, cum ar fi samplere, sintetizatoare, unitati de efecte si controlere MIDI, toate configurate pentru a interactiona între ele folosind protocolul MIDI. În primele zile ale genului, au fost folosite instrumente muzicale electronice hardware, iar productia se concentra în principal pe manipularea datelor MIDI, spre deosebire de manipularea semnalelor audio. De la sfarsitul anilor 1990, utilizarea software-ului a crescut. Un studio modern de productie de muzica electronica consta în general dintr-un computer care ruleaza o statie de lucru audio digitala (DAW), cu diverse plug-in-uri instalate, cum ar fi sintetizatoare software si unitati de efecte, care sunt controlate cu un controler MIDI, cum ar fi o tastatura MIDI. Aceasta configuratie este în general suficienta pentru a finaliza productii întregi, care sunt apoi gata pentru masterizare.
Productie fantoma
Un producator fantoma este un producator de muzica angajat într-un aranjament de afaceri care produce o melodie pentru un alt DJ/artist care o lanseaza ca fiind proprie, de obicei, în baza unui contract care îi împiedica sa se identifice ca membri ai cantecului. Producatorii fantoma primesc o taxa simpla sau plati de redevente pentru munca lor si sunt adesea capabili sa lucreze în preferinta lor de a nu avea presiunea intensa a faimei si a stilului de viata al unui DJ recunoscut la nivel international. Un producator fantoma îsi poate creste nobilitatea în industria muzicala prin cunoasterea cu DJ si producatori consacrati. Producatori precum Martin Garrix si Porter Robinson sunt adesea remarcati pentru munca lor de productie fantoma pentru alti producatori, în timp ce David Guetta si Steve Aoki sunt remarcati pentru utilizarea producatorilor fantoma în melodiile lor, în timp ce DJ precum Tiësto si-au creditat deschis producatorii în încercarea de a evita cenzura si pentru transparenta. Multi producatori fantoma semneaza acorduri care îi împiedica sa lucreze pentru altcineva sau sa se stabileasca ca artist solo. Asemenea acorduri de nedivulgare sunt adesea considerate ca fiind de prada, deoarece producatorii fantoma, în special producatorii adolescenti, nu au o întelegere a industriei muzicale. Producatorul londonez Mat Zo a sustinut ca DJ-ii care angajeaza producatori fantoma „au prefacut ca îsi fac propria muzica si ne-au lasat pe noi producatorii reali sa ne luptam”.
Prodctie dormitor
Un producator de dormitor este un muzician independent care creeaza muzica electronica pe laptop sau într-un studio de acasa. Spre deosebire de studiourile de înregistrare traditionale, producatorii de dormitoare folosesc de obicei software si echipamente accesibile si ieftine, care pot duce la crearea muzicii complet „în cutie”, fara hardware extern.
Popularizare in SUA
Initial, popularizarea muzicii electronice de dans a fost asociata cu cultura rave si club europeana si a obtinut o expunere populara limitata în America. La mijlocul pana la sfarsitul anilor 1990, acest lucru a început sa se schimbe pe masura ce industria muzicala americana a facut eforturi pentru a comercializa o serie de genuri de dans ca „electronica”. La acea vreme, un val de trupe de muzica electronica din Marea Britanie, inclusiv The Prodigy, The Chemical Brothers, Fatboy Slim si Underworld, fusesera prematur asociate cu o „revolutie electronica americana”. Dar, în loc sa gaseasca succesul general, multe acte EDM consacrate au fost relegate la marginile industriei din SUA. În 1998, Madonna’s Ray of Light, un album puternic influentat de tendintele muzicale de club si produs împreuna cu producatorul britanic William Orbit, a adus muzica dance în atentia ascultatorilor de muzica populara. La sfarsitul anilor 1990, în ciuda interesului mass-media din SUA fata de muzica dance re-bransata ca electronica, producatorii americani de house si techno au continuat sa calatoreasca în strainatate pentru a-si stabili cariera ca DJ si producatori. La mijlocul anilor 2000, producatorul olandez Tiësto a adus atentia populara la nivel mondial asupra EDM dupa ce a oferit o coloana sonora pentru intrarea sportivilor în timpul ceremoniei de deschidere a Jocurilor Olimpice de vara din 2004 – un eveniment pe care The Guardian l-a considerat unul dintre cele mai importante 50 de evenimente din muzica de dans. În 2003, influenta muzicii dance la radioul american a facut ca Billboard sa creeze primul top Dance/Mix Show Airplay. Pana în 2005, proeminenta muzicii de dans în cultura populara nord-americana a crescut semnificativ. Potrivit Spin, performanta lui Daft Punk la Coachella în 2006 a fost „punctul de varf” pentru EDM – a introdus duo-ul unei noi generatii de „copii rock”. Dupa cum a mentionat Entertainment Weekly, „SexyBack” al lui Justin Timberlake a ajutat la introducerea sunetelor EDM în top 40 de radio, deoarece a reunit variatii ale muzicii electronice de dans cu sunetele R&B ale cantaretului. În 2009, muzicianul house francez David Guetta a început sa castige proeminenta în muzica pop mainstream datorita mai multor hituri încrucisate din Top 40, cum ar fi „When Love Takes Over” cu Kelly Rowland,, precum si colaborarilor sale cu pop si hip din SUA. hop, cum ar fi Akon (“Sexy Bitch”) si The Black Eyed Peas (“I Gotta Feeling”). Site-ul de partajare a muzicii SoundCloud, precum si site-ul de partajare a videoclipurilor YouTube, au contribuit, de asemenea, la stimularea interesului pentru muzica electronica. Producatorul de Dubstep Skrillex a popularizat un sunet mai dur numit „Brostep”, care facuse comparatii cu agresivitatea si tonul heavy metalului.
Odata cu cresterea popularitatii muzicii electronice de dans, promotorii si locatiile si-au dat seama ca DJ-ii ar putea genera profituri mai mari decat muzicienii traditionali; Diplo a explicat ca „o trupa canta [pentru] 45 de minute; DJ-ii pot canta timp de patru ore. Trupe rock — sunt cativa barbati de afis care pot canta în locatii cu o capacitate de 3.000-4.000, dar DJ-ii canta în aceleasi locatii, rasturneaza multimea. de doua ori, oamenii cumpara bauturi toata noaptea la preturi mai mari — este un castig pentru toate.” Festivalurile de muzica electronica, cum ar fi Electric Daisy Carnival (EDC) din Las Vegas si Ultra Music Festival din Miami au crescut, de asemenea, în dimensiune, plasand un accent sporit pe experientele vizuale si pe DJ-i care au început sa obtina un statut de celebritate. Alte acte majore care au castigat importanta, inclusiv Avicii si Swedish House Mafia, au facut turnee în locuri importante, cum ar fi arene si stadioane, mai degraba decat în cluburi; în decembrie 2011, Swedish House Mafia a devenit primul grup de muzica electronica care a vandut Madison Square Garden din New York.[ În 2011, Spin a declarat o „noua generatie rave” condusa de trupe precum David Guetta, Deadmau5 si Skrillex. În ianuarie 2013, Billboard a introdus un nou grafic Dance/Electronic Songs axat pe EDM, urmarind primele 50 de cantece electronice bazate pe vanzari, difuzare radio, redare în club si streaming online. Potrivit Eventbrite, fanii EDM au mai multe sanse sa foloseasca retelele sociale pentru a descoperi si a împartasi evenimente sau concerte. De asemenea, au descoperit ca 78% dintre fani spun ca au mai multe sanse sa participe la un eveniment daca colegii lor o fac, comparativ cu 43% dintre fani în general. EDM are multi fani tineri si sociali.[ Pana la sfarsitul anului 2011, Music Trades descria muzica electronica de dans ca fiind genul cu cea mai rapida crestere din lume.[ Elementele muzicii electronice au devenit, de asemenea, din ce în ce mai importante în muzica pop. Radioul si televiziunea au contribuit, de asemenea, la acceptarea populara a muzicii dance
Interes corporativ american
Consolidarea corporativa în industria EDM a început în 2012, în special în ceea ce priveste evenimentele live. În iunie 2012, directorul media Robert F. X. Sillerman – fondatorul a ceea ce este acum Live Nation – a relansat SFX Entertainment ca un conglomerat EDM si si-a anuntat planul de a investi 1 miliard de dolari pentru a achizitiona afaceri EDM. Achizitiile sale au inclus promotori si festivaluri regionale (inclusiv ID&T, care organizeaza Tomorrowland), doi operatori de cluburi de noapte din Miami si Beatport, un magazin de muzica online care se concentreaza pe muzica electronica. Live Nation a achizitionat, de asemenea, Cream Holdings si Hard Events si a anuntat un „parteneriat creativ” cu organizatorii EDC Insomniac Events în 2013, care i-ar permite sa-si acceseze resursele, ramanand în acelasi timp o companie independenta; CEO-ul Live Nation, Michael Rapino, a descris EDM ca fiind „[nou] rock’n’roll”. Conglomeratul radio american iHeartMedia, Inc. (fost Clear Channel Media and Entertainment) a facut, de asemenea, eforturi pentru a se alinia cu EDM. În ianuarie 2014, a angajat renumitul DJ britanic si personalitatea BBC Radio 1, Pete Tong, sa produca programe pentru marca sa de radio dance „Evolution” si a anuntat un parteneriat cu SFX pentru a coproduce concerte live si programare originala orientata spre EDM pentru compania sa. primele 40 de posturi de radio. Presedintele iHeartMedia, John Sykes, a explicat ca doreste ca proprietatile companiei sale sa fie „cea mai buna destinatie [pentru EDM]”
Marcile majore au folosit, de asemenea, fenomenul EDM ca mijloc de a-ti viza milenii iar melodiile si artistii EDM au fost din ce în ce mai prezentati în reclamele si programele de televiziune.[146] Managerul lui Avicii, Ash Pournouri, a comparat aceste practici cu comercializarea hip-hop-ului la începutul anilor 2000. Heineken are o relatie de marketing cu Ultra Music Festival si a încorporat producatorii olandezi Armin van Buuren si Tiësto în campaniile sale publicitare. Anheuser-Busch are o relatie similara ca sponsor de bere a evenimentelor SFX Entertainment. În 2014, 7 Up a lansat „7x7Up”—o campanie multiplatforma bazata pe EDM, care a inclus continut digital, publicitate cu producatori si scene de marca atat la Ultra, cat si la Electric Daisy Carnival. Operatorul wireless T-Mobile US a încheiat un acord cu SFX pentru a deveni sponsorul oficial wireless al evenimentelor sale si a încheiat un parteneriat cu Above & Beyond pentru a sponsoriza turneul sau din 2015. În august 2015, SFX a început sa înregistreze scaderi ale valorii sale si o oferta esuata a CEO-ului Sillerman de a lua compania privata. Compania a început sa caute alternative strategice care ar fi putut duce la vanzarea companiei. În octombrie 2015, Forbes a declarat posibilitatea unei „bule” EDM, în urma scaderilor de la SFX Entertainment, încetinirea cresterii veniturilor, cresterea costurilor de organizare a festivalurilor si rezervarea talentelor, precum si suprasaturarea festivalurilor din est. si vestul Statelor Unite. CEO-ul Insomniac, Pasquale Rotella, a considerat ca industria va face fata incertitudinii financiare a pietei generale, concentrandu-se pe „inovare” si intrand pe noi piete. În ciuda previziunilor conform carora interesul pentru EDM popular ar scadea, în 2015 s-a estimat ca aceasta va fi o industrie de 5,5 miliarde de lire sterline în SUA, în crestere cu 60% fata de estimarile din 2012. SFX a iesit din faliment în decembrie 2016 sub numele de LiveStyle, sub conducerea lui Randy Phillips, un fost director al AEG Live. Compania a început sa-si cedeze treptat activele muzicale live în 2018, inclusiv vanzarea participatiilor sale la Rock in Rio (pe care o cumparase ca parte a unei încercari de editie a festivalului din Las Vegas), si mai tarziu alte SFX- promotori detinute, cum ar fi ID&T si React Presents. Phillips a demisionat din functia de CEO în 2019 pentru a urma alte proiecte.