Muzica electronica de dans (EDM), cunoscuta si sub numele de muzica de dans, muzica de club sau pur si simplu dance, este o gama larga de genuri de muzica electronica cu percutie, realizate în mare parte pentru cluburi de noapte, rave si festivaluri. În general, este produs pentru redare de catre DJ care creeaza selectii fara întreruperi de melodii, numite mixaj DJ, prin trecerea de la o înregistrare la alta. Producatorii EDM îsi interpreteaza si muzica live într-un cadru de concert sau festival, în ceea ce uneori se numeste un PA live.

La sfarsitul anilor 1980 si începutul anilor 1990, ca urmare a aparitiei raving-urilor, radio-piratilor, PartyCrew-urilor, festivalurilor underground si a cresterii interesului pentru cultura cluburilor, EDM a obtinut popularitate în Europa. În Statele Unite, totusi, acceptarea culturii rave nu a fost universala în afara scenelor regionale din New York City, Florida, Midwest si California; desi atat muzica electro, cat si muzica house din Chicago au fost influente atat în Europa, cat si în Statele Unite, mass-media de masa si industria discurilor au ramas în mod deschis ostile acesteia. A existat, de asemenea, o asociere perceputa între EDM si cultura drogurilor, ceea ce a determinat guvernele la nivel de stat si oras sa adopte legi si politici menite sa stopeze raspandirea culturii rave.

Ulterior, în noul mileniu, popularitatea EDM a crescut la nivel global, în special în Statele Unite si Australia. La începutul anilor 2010, termenul „muzica electronica de dans” si initialismul „EDM” au fost împins de industria muzicala si presa muzicala americana, într-un efort de a remarca cultura rave americana. În ciuda încercarii industriei de a crea un anumit brand EDM, initialismul ramane folosit ca termen umbrela pentru mai multe genuri, inclusiv dance-pop, house, techno si electro, precum si subgenurile respective.

Diverse genuri EDM au evoluat în ultimii 40 de ani, de exemplu; house, techno, dance-pop etc. Variația stilistică în cadrul unui gen EDM stabilit poate duce la apariția a ceea ce se numește un subgen. Hibridizarea, în care elementele a două sau mai multe genuri sunt combinate, poate duce la apariția unui gen complet nou de EDM.

Precursori

Diverse genuri EDM au evoluat în ultimii 40 de ani, de exemplu; house, techno, dance-pop etc. Variatia stilistica în cadrul unui gen EDM stabilit poate duce la aparitia a ceea ce se numeste un subgen. Hibridizarea, în care elementele a doua sau mai multe genuri sunt combinate, poate duce la aparitia unui gen complet nou de EDM.

Dub

Autorul Michael Veal considera ca muzica dub, o muzica jamaicana care provine din roots reggae si cultura sound system care a înflorit între 1968 si 1985, este unul dintre precursorii importanti ai muzicii de dans electronice contemporane. Productiile dub erau piese reggae remixate care puneau accent pe ritm, elemente lirice si melodice fragmentate si texturi reverberante. Muzica a fost introdusa de ingineri de studio, precum Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee “Scratch” Perry si Scientist.[8] Productiile lor au inclus forme de editare a casetei si procesare a sunetului pe care Veal le considera comparabile cu tehnicile folosite în muzica concreta. Producatorii de dub au realizat deconstructii improvizate ale mixurilor reggae cu mai multe piese existente folosind placa de mixare de studio ca instrument de performanta. De asemenea, au pus în prim plan efecte spatiale, cum ar fi reverb si întarziere, utilizand în mod creativ rutarile de trimitere auxiliare. Roland Space Echo, produs de Roland Corporation, a fost utilizat pe scara larga de producatorii de dub în anii 1970 pentru a produce efecte de ecou si delay. În ciuda echipamentului electronic limitat disponibil pentru pionierii dublului, precum King Tubby si Lee „Scratch” Perry, experimentele lor în cultura remixurilor au fost de varf din punct de vedere muzical. Ambient dub-ul a fost initiat de King Tubby si de alti artisti de sunet jamaicani, folosind electronice ambientale inspirate de DJ, complet cu drop-outs, ecou, egalizare si efecte electronice psihedelice. A prezentat tehnici de stratificare si a încorporat elemente de muzica mondiala, linii de bas profunde si sunete armonice. Au fost, de asemenea, folosite tehnici precum o întarziere lunga a ecoului.

Hip hop

Muzica hip hop a avut o oarecare influenta în dezvoltarea muzicii electronice de dans înca din anii 1970. Inspirat de cultura jamaicana a sistemului de sunet, DJ-ul jamaican-american Kool Herc a introdus în Bronx sistemele de difuzoare mari de bass grele. Partidele sale sunt creditate ca au dat startul miscarii hip-hop din New York în 1973. O tehnica dezvoltata de DJ Kool Herc, care a devenit populara în cultura hip hop, a fost redarea a doua copii ale aceluiasi disc pe doua placi turnante, în alternanta, si în punctul în care o piesa prezenta o pauza. Aceasta tehnica a fost folosita în continuare pentru a bucla manual o pauza pur percutanta, ducand la ceea ce mai tarziu a fost numit break beat. Turntablismul îsi are originile în inventarea placii turnante cu actionare directa, de catre Shuichi Obata, un inginer la Matsushita (acum Panasonic). În 1969, Matsushita l-a lansat sub numele de SP-10, prima placa turnanta cu actionare directa de pe piata si prima din influenta lor serie Technics de placi turnante. Cea mai influenta placa turnanta a fost Technics SL-1200, care a fost dezvoltata în 1971 de o echipa condusa de Shuichi Obata la Matsushita, care apoi a lansat-o pe piata în 1972. În anii 1980 si 1990, DJ-ii hip-hop au folosit platourile ca instrumente muzicale de sine statatoare, iar utilizarea virtuozica a devenit o practica creativa numita turntablism.

Disco

În 1974, primul hit disco al lui George McCrae „Rock Your Baby” a fost unul dintre primele discuri care a folosit o masina de tobe, o masina de ritm Roland timpurie. Folosirea aparatelor de tobe în productia disco a fost influentata de „Family Affair” (1971) a lui Sly and the Family Stone, cu ritmul sau reluat în „Rock Your Baby” a lui McCrae[23] si „Why Can’t We Live” de Timmy Thomas. Împreuna” (1972). Producatorul disco Biddu a folosit sintetizatoare în mai multe cantece disco din 1976 pana în 1977, inclusiv „Bionic Boogie” din Rain Forest (1976), „Soul Coaxing” (1977) si Eastern Man and Futuristic Journey (înregistrat din 1976 pana în 1977). Acte precum Donna Summer, Chic, Earth, Wind, and Fire, Heatwave si Village People au contribuit la definirea sunetului disco de la sfarsitul anilor 1970. Giorgio Moroder si Pete Bellotte au produs „I Feel Love” pentru Donna Summer în 1977. A devenit primul hit disco binecunoscut care a avut o piesa secundara complet sintetizata. Alti producatori disco, cel mai faimos producator american Tom Moulton, au preluat idei si tehnici din muzica dub (care a venit odata cu migratia jamaicana din ce în ce mai mare la New York în anii 1970) pentru a oferi alternative la stilul de patru la etaj care domina. La începutul anilor 1980, popularitatea muzicii disco a scazut brusc în Statele Unite, abandonata de marile case de discuri si producatori americani. Euro disco a continuat sa evolueze în cadrul scenei de muzica pop mainstream.

Synth-pop

Synth-pop (prescurtare de la „synthesizer pop”; numit si „techno-pop”) este un subgen al muzicii new wave care a devenit proeminent la sfarsitul anilor 1970 si prezinta sintetizatorul ca instrument muzical dominant. A fost prefigurat în anii 1960 si începutul anilor 1970 prin utilizarea sintetizatoarelor în rock progresiv, electronic, art rock, disco si în special „Krautrock” al unor trupe precum Kraftwerk. A aparut ca gen distinct în Japonia si Regatul Unit în epoca post-punk, ca parte a miscarii new wave de la sfarsitul anilor 1970 pana la mijlocul anilor 1980. Primii pionierii synth-pop au inclus grupul japonez Yellow Magic Orchestra si trupele britanice Ultravox, Human League si Berlin Blondes. Human League a folosit sintetizatoare monofonice pentru a produce muzica cu un sunet simplu si auster. Dupa descoperirea lui Gary Numan în UK Singles Chart în 1979, un numar mare de artisti au început sa se bucure de succes cu un sunet bazat pe sintetizator la începutul anilor 1980, inclusiv debutanti de la sfarsitul anilor 1970 precum Japan si Orchestral Maneuvers in the Dark si nou-veniti precum precum Depeche Mode si Eurythmics. În Japonia, succesul Yellow Magic Orchestra a deschis calea pentru trupe synth-pop precum P-Model, Plastics si Hikashu. Dezvoltarea sintetizatoarelor polifonice ieftine, definirea MIDI si utilizarea ritmurilor de dans, au condus la un sunet mai comercial si mai accesibil pentru synth-pop. Acest lucru, adoptarea sa de catre trupele constiente de stil din miscarea New Romantic, împreuna cu ascensiunea MTV, a condus la succesul unui numar mare de trupe synth-pop britanice (inclusiv Duran Duran si Spandau Ballet) în Statele Unite. Utilizarea esantionarii digitale si a buclei în muzica populara a fost lansata de trupa japoneza de muzica electronica Yellow Magic Orchestra (YMO). Abordarea lor pentru esantionare a fost un precursor al abordarii contemporane de construire a muzicii prin taierea fragmentelor de sunete si punerea lor în bucla folosind tehnologia computerizata. „Computer Game/Firecracker” (1978) a interpolat o melodie a lui Martin Denny si a esantionat sunetele jocurilor video Space Invaders Technodelic (1981) a introdus utilizarea esantionarii digitale în muzica populara, ca primul album constand în mare parte din mostre si bucle. Albumul a fost produs folosind samplerul digital PCM LMD-649 de la Toshiba-EMI, pe care inginerul Kenji Murata l-a creat la comanda pentru YMO, e nevoie de o sursa mai buna] LMD-649 a fost folosit si pentru sample-uri de catre alti artisti synthpop japonezi la începutul anului. 1980, inclusiv actiuni asociate YMO, cum ar fi Chiemi Manabe si Logic System.

Dance Music

în anii 1980 Vezi si: hip hop de scoala noua, bas din Miami, muzica freestyle, hip house, latin house si muzica de dans industrial Aparitia muzicii electronice de dans în anii 1980 a fost modelata de dezvoltarea mai multor instrumente muzicale electronice noi, în special cele de la japoneza Roland Corporation. Roland TR-808 (deseori prescurtat ca „808”) a jucat un rol important în evolutia muzicii de dans,[46] dupa ce „Planet Rock” (1982) al lui Afrika Bambaataa l-a facut foarte popular pe ringurile de dans. Piesa, care a prezentat si linia melodica de la Trans-Europe Express de la Kraftwerk, a informat dezvoltarea muzicii electronice de dans si a subgenurilor, inclusiv Miami bass si Detroit techno, si a popularizat 808 ca „element fundamental al sunetului futurist”. Potrivit lui Slate, „Planet Rock” „nu a pus atat de mult 808 pe harta, cat a reorientat o întreaga lume a muzicii dance post-disco în jurul lui”. Roland TR-909, TB-303 si Juno-60 au influentat în mod similar muzica de dans electronica, cum ar fi techno, house si acid.

Post-Disco

În timpul erei post-disco, care a urmat reactiei împotriva „discotei” care a început la mijlocul si sfarsitul anului 1979, care în Statele Unite a dus la tulburari civile si o revolta în Chicago cunoscuta sub numele de Disco Demolition Night, o miscare subterana. pe Coasta de Est a început sa apara muzicii „dezbracate” inspirate de disco, cu „sunete radical diferite”. Aceasta noua scena a fost vazuta în primul rand în zona metropolitana New York si a fost condusa initial de artistii contemporani urbani care au raspuns la supracomercializarea si disparitia ulterioara a culturii disco. Sunetul care a aparut provine din partea electronica a P-Funk a discoteca, a muzicii dub si a altor genuri. Cea mai mare parte a muzicii produsa în aceasta perioada a fost, la fel ca disco, destinata unei piete conduse de single-uri. În acest moment, controlul creativ a început sa se schimbe catre case de discuri independente, producatori mai putin consacrati si DJ de club. Alte stiluri de dans care au început sa devina populare în perioada post-disco includ dance-pop, boogie, electro, Hi-NRG, Italo disco, house si techno.

Electro

La începutul anilor 1980, electro (prescurtarea de la „electro-funk”) a aparut ca o fuziune între electro-pop, funk si boogie. Numiti si electro-funk sau electro-boogie, dar mai tarziu prescurtat la electro, pionierii citati includ Ryuichi Sakamoto, Afrika Bambaataa, Zapp, D.Train si Sinnamon. Hip-hop-ul si rapul timpuriu, combinate cu influentele electropop germane si japoneze, cum ar fi Kraftwerk si Yellow Magic Orchestra, au inspirat nasterea electro-ului. Pe masura ce sunetul electronic s-a dezvoltat, instrumente precum chitara bas si tobe au fost înlocuite cu sintetizatoare si, mai ales, cu masini de tobe emblematice, în special Roland TR-808 si Yamaha DX7. Primele utilizari ale TR-808 includ cateva piese Yellow Magic Orchestra în 1980–1981, piesa din 1982 „Planet Rock” de Afrika Bambaataa si melodia din 1982 „Sexual Healing” de Marvin Gaye. În 1982, producatorul Arthur Baker, împreuna cu Afrika Bambaataa, a lansat „Planet Rock”, care a fost influentat de Yellow Magic Orchestra, a folosit mostre Kraftwerk si a avut ritmuri de tobe furnizate de TR-808. Planet Rock a fost urmat mai tarziu în acel an de un alt disc electro revolutionar, „Nunk” de Warp 9. În 1983, Hashim a creat un sunet electro-funk cu „Al-Naafyish (The Soul)” care l-a influentat pe Herbie Hancock, rezultand în hitul sau „Rockit” în acelasi an. Începutul anilor 1980 a fost punctul de varf al electro-ului. Potrivit autorului Steve Taylor, Planet Rock al lui Afrika Bambaataa serveste drept „sablon pentru toata muzica dance interesanta de atunci”.

House Music

La începutul anilor 1980, jucatorii de la radio din Chicago The Hot Mix 5 si DJ-ii de club Ron Hardy si Frankie Knuckles au cantat diverse stiluri de muzica dance, inclusiv discuri disco mai vechi (în mare parte melodii Philly disco si Salsoul, piese electro funk ale unor artisti precum Afrika Bambaataa, Italo disco mai nou, muzica hip hop B-Boy de Man Parrish, Jellybean Benitez, Arthur Baker si John Robie si muzica pop electronica de Kraftwerk si Yellow Magic Orchestra. Unii au realizat si au cantat propriile editari ale melodiilor lor preferate pe banda reel-to-reel si, uneori, au amestecat efecte, tobe si alte instrumente electronice ritmice. Cantecul hipnotic de dans electronic „On and On”, produs în 1984 de DJ-ul din Chicago Jesse Saunders si co-scris de Vince Lawrence, avea elemente care au devenit elementele de baza ale sunetului house timpuriu, precum sintetizatorul de bas Roland TB-303 si vocea minimala. precum si o masina de toba Roland (în special TR-808) si un sintetizator Korg (în special Poly-61). „On and On” este uneori citat drept „înregistrarea primei case”, desi au fost citate si alte exemple din acea perioada, cum ar fi „Music is the Key” (1985) de JM Silk. Muzica house s-a raspandit rapid în orasele americane, inclusiv New York, Newark si Detroit – toate acestea si-au dezvoltat propriile scene regionale. La mijlocul pana la sfarsitul anilor 1980, muzica house a devenit populara în Europa, precum si în orasele mari din America de Sud si Australia. Chicago House a cunoscut un oarecare succes comercial în Europa cu lansari precum „House Nation” de House Master Boyz si Rude Boy of House (1987). Dupa aceasta, o serie de lansari inspirate de house, cum ar fi „Pump Up The Volume” de M|A|R|R|S (1987), „Theme from S’Express” de S’Express (1988) si „Doctorin’ the House” de Coldcut (1988) a intrat în topurile pop. Instrumentarea electronica si aranjamentul minimal al lui Charanjit Singh Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982), un album de ragas indieni interpretat în stil disco, a anticipat sunetele muzicii acid house, dar nu se stie ca ar fi avut vreo influenta. despre genul anterior redescoperirii albumului în secolul 21.

Techno, Acid House, Rave

La mijlocul anilor 1980, muzica house a prosperat pe mica insula Baleare Ibiza, Spania. Sunetul balear era spiritul muzicii care iesea pe insula la acea vreme; combinatia dintre vechile discuri de vinil rock, pop, reggae si disco, împreuna cu o atitudine „orice merge”, a facut din Ibiza un centru al experimentelor muzicale induse de droguri. Un club numit Amnesia, al carui DJ rezident, Alfredo Fiorito, a fost pionierul casei din Baleare, a fost centrul scenei. Amnezia a devenit cunoscuta în toata Europa si, de la mijlocul pana la sfarsitul anilor 1980, atragea oameni de pe tot continentul. Pana în 1988, muzica house devenise cea mai populara forma de muzica de club din Europa, acid house devenind o tendinta notabila în Marea Britanie si Germania în acelasi an. În Marea Britanie, o subcultura consacrata a petrecerilor în depozit, centrata pe scena sistemului de sunet britanic afro-caraibien, a alimentat after-part-uri underground care prezentau exclusiv muzica de dans. Tot în 1988, atmosfera de petrecere din Baleare asociata DJ-ului Alfredo din Ibiza a fost transportata la Londra, cand Danny Rampling si Paul Oakenfold au deschis cluburile Shoom si, respectiv, Spectrum. Ambele locuri au devenit sinonime cu acid house si în aceasta perioada MDMA a castigat proeminenta ca drog de petrecere. Alte cluburi importante din Marea Britanie au inclus Back to Basics din Leeds, Sheffield’s Leadmill and Music Factory si The Haçienda din Manchester, unde spotul lui Mike Pickering si Graeme Park, Nude, a fost un teren de proba important pentru muzica dance underground americana. Succesul house si acid house a deschis calea pentru Detroit Techno, un stil care a fost sustinut initial de o mana de cluburi de muzica house din Chicago, New York si nordul Angliei, cluburile din Detroit ajungand mai tarziu din urma. Termenul Techno a fost folosit pentru prima data dupa lansarea unei compilatii de 10 Records/Virgin Records intitulata Techno: The Dance Sound of Detroit în 1988.

Dance Music in anii 90′

Trance

Trance a aparut din scena rave din Regatul Unit la sfarsitul anilor 1980 si s-a dezvoltat în continuare la începutul anilor 1990 în Germania, înainte de a se raspandi în restul Europei, ca o ramura mai melodica din techno si house. muzica era în curs de dezvoltare în Europa, genul strangea public si în statul indian Goa. Transa este în mare parte instrumentala, desi vocea poate fi amestecata: în mod obisnuit, acestea sunt interpretate de soliste femei mezzo-soprano pana la soprane, adesea fara o structura traditionala de vers/cor. Forma vocala structurata în muzica trance formeaza baza subgenului transa vocala, care a fost descrisa drept „maroasa, vertiginoasa si operica” si „protagoniste feminine eterice care plutesc printre sintetizatoare”. Muzica trance este împartita într-un numar de subgenuri, inclusiv transa acida, transa clasica, transa hard, transa progresiva si transa înaltatoare.[necesita citare] Transa înaltatoare este cunoscuta si sub numele de „transa de imn”, „transa epica”. „transa comerciala”, „transa de stadion” sau „transa euforica” si a fost puternic influentata de muzica clasica în anii 1990 si 2000 de artisti de seama precum Ferry Corsten, Armin Van Buuren, Tiësto, Push, Rank 1 si în prezent odata cu dezvoltarea subgenului „orchestral uplifting trance” sau „lifting trance with symphonic orchestra” de catre artisti precum Andy Blueman, Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone&Simon O’Shine etc. Strans legat de Uplifting Trance este Euro-trance, care a devenit un termen general pentru o mare varietate de muzica de dans europeana foarte comercializata. Mai multe subgenuri sunt încrucisate cu alte genuri majore de muzica electronica. De exemplu, Tech trance este un amestec de transa si techno, iar Vocal trance „combina elementele progresive [de transe] cu muzica pop”. Genul de transa de vis a aparut la mijlocul anilor 1990, popularitatea sa fiind condusa atunci de Robert Miles. AllMusic afirma despre transa progresiva: „aripa progresiva a multimii de transa a condus direct la un sunet mai comercial, orientat spre topuri, deoarece transa nu se bucurase niciodata de multa actiune în topuri în primul rand. Subliniind sunetul mai fin al Eurodance sau house (si ocazional mai mult care aminteste de Jean-Michel Jarre decat de Basement Jaxx), Progressive Trance a devenit sunetul ringurilor de dans din lume pana la sfarsitul mileniului. Criticii i-au ridiculizat accentul pe defectiuni previzibile si lipsa relativa de îndemanare de a mixa, dar transa progresiva a fost pusa în joc. de cel mai tare DJ.”

Breakbeat Hardcore, Jungle, Drum and Bass

La începutul anilor 1990, în scena rave s-a dezvoltat un stil de muzica care avea o identitate diferita de house si techno americana. Aceasta muzica, la fel ca hip-hop-ul de dinainte, combina beat-uri sau breakbeats sincopate esantionate, alte mostre dintr-o gama larga de genuri muzicale diferite si, ocazional, mostre de muzica, dialog si efecte din filme si programe de televiziune. În comparatie cu stilurile anterioare de muzica dance, cum ar fi house si techno, asa-numita „muzica rave” tindea sa accentueze sunetele de bas si sa foloseasca tempo-uri mai rapide, sau batai pe minut (BPM). Acest subgen era cunoscut sub numele de rave „hardcore”, dar înca din 1991, unele piese muzicale formate din aceste breakbeat-uri cu ritm înalt, cu linii de bas grele si mostre de muzica jamaicana mai veche, au fost denumite „jungle techno”, un gen. influentat de Jack Smooth si Basement Records, iar mai tarziu doar „jungla”, care a devenit recunoscut ca un gen muzical separat popular la rave si la radioul pirat din Marea Britanie. Este important sa retineti, atunci cand discutam despre istoria drum & bass, ca înainte de jungle, muzica rave devenea mai rapida si mai experimentala. Pana în 1994, jungla a început sa castige popularitate, iar fanii muzicii (deseori denumiti junglists) au devenit o parte mai recunoscuta a subculturii tineretului. Genul s-a dezvoltat în continuare, încorporand si combinand elemente dintr-o gama larga de genuri muzicale existente, inclusiv sunetul raggamuffin, dancehall, MC chants, dub basslines si percutie breakbeat din ce în ce mai complexa, editata intens. În ciuda afilierii cu scena rave alimentata de extaz, Jungle a mostenit si unele asocieri cu violenta si activitatea criminala, atat din cultura bandelor care afectase scena hip-hop din Marea Britanie, cat si ca urmare a sunetului si temelor deseori agresive sau amenintatoare ale junglei. violenta (de obicei reflectata în alegerea probelor). Cu toate acestea, acest lucru s-a dezvoltat în tandem cu reputatia adesea pozitiva a muzicii ca parte a scenei rave mai largi si a culturii muzicale jamaicane bazate pe sali de dans, predominant la Londra. Pana în 1995, fie ca o reactie la sau independent de aceasta schisma culturala, unii producatori din jungla au început sa se îndeparteze de stilul influentat de ragga si sa creeze ceea ce va fi etichetat colectiv, pentru comoditate, ca drum and bass.

Dance Music in secolul 21

Dubstep

Dubstep este un gen de muzica electronica de dans care a aparut în sudul Londrei la sfarsitul anilor 1990. Se caracterizeaza în general prin modele ritmice rare, sincopate, cu linii de bas care contin frecvente sub-bas proeminente. Stilul a aparut ca o ramura a garajului din Marea Britanie, bazandu-se pe o linie de stiluri înrudite, cum ar fi 2-step, dub reggae, jungle, broken beat si grime. În Regatul Unit, originile genului pot fi urmarite pana la cresterea scenei de petrecere a sistemului audio jamaican la începutul anilor 1980. Cele mai vechi versiuni dubstep cunoscute dateaza din 1998 si au fost de obicei prezentate ca fete B ale lansarilor simple de garaj în 2 pasi. Aceste piese au fost remixuri mai întunecate, mai experimentale, cu mai putin accent pe voce si au încercat sa încorporeze elemente de breakbeat si tobe si bas în 2 pasi. În 2001, aceasta si alte melodii de muzica dark garage au început sa fie prezentate si promovate la clubul de noapte Plastic People din Londra, la noaptea „Forward” (uneori stilizata ca FWD>>), care a continuat sa fie considerata influenta în dezvoltarea dubstep-ului. . Termenul „dubstep” cu referire la un gen de muzica a început sa fie folosit în jurul anului 2002 de case de discuri precum Big Apple, Ammunition si Tempa, moment în care tendintele stilistice utilizate în crearea acestor remixuri au început sa devina mai vizibile si mai distincte de 2- pas si murdarie.

Electro House

Electro house este o forma de muzica house caracterizata printr-o linie de bas proeminenta sau toba si un tempo între 125 si 135 de batai pe minut, de obicei 128. Originile sale au fost influentate de electro, electroclash Termenul a fost folosit pentru a descrie muzica multor DJ Mag Top 100 DJ, inclusiv Dimitri Vegas & Like Mike, Hardwell, Skrillex, si Steve Aoki. DJ-ul italian Benny Benassi, cu piesa sa „Satisfaction” lansata în 2002, este vazut ca precursorul electro-house-ului care l-a adus în mainstream. La mijlocul anilor 2000, electro-house a cunoscut o crestere a popularitatii, cu hituri precum remixul Tom Neville al piesei I See Girls de la Studio B în 2005 (UK #11). În noiembrie 2006, piese electro-house „Put Your Hands Up For Detroit” de Fedde Le Grand si remixul D. Ramirez din „Yeah Yeah” de Bodyrox si Luciana au ocupat locurile numarul unu si, respectiv, numarul doi în Topul Regatului Unit. 40 de topuri de single. De atunci, au aparut producatori electro-house precum Feed Me, Knife Party, The M Machine, Porter Robinson, Yasutaka Nakata si Dada Life.

Trap Music (EDM)

Muzica trap (EDM) a aparut din techno, dub si Dutch House, dar si din hip-hopul sudic la sfarsitul anilor 2000 si începutul anilor 2010. Aceasta forma de muzica trap poate fi simplificata prin aceste trei caracteristici: „1/3 hip hop (tempo si structura melodiei sunt similare, majoritatea pieselor sunt de obicei între 70–110 bpm) – cu vocea uneori redusa, 1/3 muzica de dans – lucrari de sintetizatoare olandeze înalte, esantionare Hardstyle, precum si o multitudine de remixuri trap ale melodiilor populare EDM si 1/3 dub (focalizare la frecventa joasa si accent puternic pe repetitivitate pe parcursul unei melodii)”. Unii dintre artistii care au popularizat acest gen, alaturi de altii, potentiali producatori precum RL Grime cu piesele „Core” si „Scylla” lansate în 2014, Flosstradamus cu albumul „Hdynation Radio” lansat în 2015 si Carnage ( DJ) cu piesa sa „Turn Up” lansata în 2012. Muzica trap în aceasta conotatie a fost caracterizata de „sintetizatoare pline de suflet, 808-uri, flaut de pan, capcane ascutite si vocale lungi, cu sirop” care au creat batai murdare si agresive, rezultand „melodii întunecate”. Trap este acum folosit în principal ca remixuri.

Terminologie

Cea mai timpurie utilizare a termenului „muzica electronica de dans” (EDM) a fost de catre muzicianul, producatorul, managerul si inovatorul englez Richard James Burgess în 1980, al carui single „European Man” cu trupa sa Landscape a folosit termenul pe spatele single-ului. manson de înregistrare: „Electronic Dance Music… EDM; computer programat la perfectiune pentru placerea ta de ascultare.”[104] Prin urmare, Burgess este cunoscut ca a inventat termenul, precum si „New Romantic”. Ca raspuns la o întrebare despre faptul ca a fost creditat cu inventarea termenului New Romantic într-un interviu pentru The Electricity Club, Burgess a spus: „Initial, foloseam trei termeni – Futurist, Electronic Dance Music (singlele Landscape au imprimat EDM) si New. Romantic.” În Statele Unite, termenul a fost folosit înca din 1985, desi termenul „muzica de dans” nu a prins ca termen general.[95] Scriind în The Guardian, jurnalistul Simon Reynolds a remarcat ca adoptarea de catre industria muzicala americana a termenului EDM la sfarsitul anilor 2000 a fost o încercare de a re-branding „cultura rave” din SUA si de a o diferentia de scena rave din anii 1990. A fost descrisa ca o era a muzicii electronice, fiind descrisa într-un articol de la MixMag ca fiind „sunetul de picaturi grele, plin de stadion, de pompare, de top în topuri, sunet comercial masiv care a cucerit America… posibil undeva. între electro si progressive house, regizat de Michael Bay si, ca multe genuri muzicale, sa încerci sa o precizezi exact este ca si cum ai încerca sa apuci un pumn de apa”. În Marea Britanie, „muzica de dans” sau „dans” sunt termeni mai des întalniti pentru EDM. Ceea ce este perceput pe scara larga a fi „muzica de club” s-a schimbat de-a lungul timpului; acum include diferite genuri si este posibil sa nu cuprinda întotdeauna EDM. În mod similar, „muzica electronica de dans” poate însemna lucruri diferite pentru diferiti oameni. Atat „muzica de club” cat si „EDM” par vagi, dar termenii sunt uneori folositi pentru a se referi la genuri distincte si neînrudite (muzica de club este definita de ceea ce este popular, în timp ce EDM se distinge prin atribute muzicale). Desi Billboard a debutat într-un top „dance” în 1974, industria muzicala mai mare din SUA nu a creat topuri muzicale decat la sfarsitul anilor 1990. În iulie 1995, Nervous Records si Revista Project X au gazduit prima ceremonie de decernare a premiilor, numind-o „Electronic Dance Music Awards”.

Productie

O configuratie tipica de home studio pentru productia EDM cu computer, interfata audio si diverse instrumente MIDI. Muzica electronica de dans este în general compusa si produsa într-un studio de înregistrare cu echipamente specializate, cum ar fi samplere, sintetizatoare, unitati de efecte si controlere MIDI, toate configurate pentru a interactiona între ele folosind protocolul MIDI. În primele zile ale genului, au fost folosite instrumente muzicale electronice hardware, iar productia se concentra în principal pe manipularea datelor MIDI, spre deosebire de manipularea semnalelor audio. De la sfarsitul anilor 1990, utilizarea software-ului a crescut. Un studio modern de productie de muzica electronica consta în general dintr-un computer care ruleaza o statie de lucru audio digitala (DAW), cu diverse plug-in-uri instalate, cum ar fi sintetizatoare software si unitati de efecte, care sunt controlate cu un controler MIDI, cum ar fi o tastatura MIDI. Aceasta configuratie este în general suficienta pentru a finaliza productii întregi, care sunt apoi gata pentru masterizare.

Productie fantoma

Un producator fantoma este un producator de muzica angajat într-un aranjament de afaceri care produce o melodie pentru un alt DJ/artist care o lanseaza ca fiind proprie, de obicei, în baza unui contract care îi împiedica sa se identifice ca membri ai cantecului. Producatorii fantoma primesc o taxa simpla sau plati de redevente pentru munca lor si sunt adesea capabili sa lucreze în preferinta lor de a nu avea presiunea intensa a faimei si a stilului de viata al unui DJ recunoscut la nivel international. Un producator fantoma îsi poate creste nobilitatea în industria muzicala prin cunoasterea cu DJ si producatori consacrati. Producatori precum Martin Garrix si Porter Robinson sunt adesea remarcati pentru munca lor de productie fantoma pentru alti producatori, în timp ce David Guetta si Steve Aoki sunt remarcati pentru utilizarea producatorilor fantoma în melodiile lor, în timp ce DJ precum Tiësto si-au creditat deschis producatorii în încercarea de a evita cenzura si pentru transparenta. Multi producatori fantoma semneaza acorduri care îi împiedica sa lucreze pentru altcineva sau sa se stabileasca ca artist solo. Asemenea acorduri de nedivulgare sunt adesea considerate ca fiind de prada, deoarece producatorii fantoma, în special producatorii adolescenti, nu au o întelegere a industriei muzicale. Producatorul londonez Mat Zo a sustinut ca DJ-ii care angajeaza producatori fantoma „au prefacut ca îsi fac propria muzica si ne-au lasat pe noi producatorii reali sa ne luptam”.

Prodctie dormitor

Un producator de dormitor este un muzician independent care creeaza muzica electronica pe laptop sau într-un studio de acasa. Spre deosebire de studiourile de înregistrare traditionale, producatorii de dormitoare folosesc de obicei software si echipamente accesibile si ieftine, care pot duce la crearea muzicii complet „în cutie”, fara hardware extern.

Popularizare in SUA

Initial, popularizarea muzicii electronice de dans a fost asociata cu cultura rave si club europeana si a obtinut o expunere populara limitata în America. La mijlocul pana la sfarsitul anilor 1990, acest lucru a început sa se schimbe pe masura ce industria muzicala americana a facut eforturi pentru a comercializa o serie de genuri de dans ca „electronica”. La acea vreme, un val de trupe de muzica electronica din Marea Britanie, inclusiv The Prodigy, The Chemical Brothers, Fatboy Slim si Underworld, fusesera prematur asociate cu o „revolutie electronica americana”. Dar, în loc sa gaseasca succesul general, multe acte EDM consacrate au fost relegate la marginile industriei din SUA. În 1998, Madonna’s Ray of Light, un album puternic influentat de tendintele muzicale de club si produs împreuna cu producatorul britanic William Orbit, a adus muzica dance în atentia ascultatorilor de muzica populara. La sfarsitul anilor 1990, în ciuda interesului mass-media din SUA fata de muzica dance re-bransata ca electronica, producatorii americani de house si techno au continuat sa calatoreasca în strainatate pentru a-si stabili cariera ca DJ si producatori. La mijlocul anilor 2000, producatorul olandez Tiësto a adus atentia populara la nivel mondial asupra EDM dupa ce a oferit o coloana sonora pentru intrarea sportivilor în timpul ceremoniei de deschidere a Jocurilor Olimpice de vara din 2004 – un eveniment pe care The Guardian l-a considerat unul dintre cele mai importante 50 de evenimente din muzica de dans. În 2003, influenta muzicii dance la radioul american a facut ca Billboard sa creeze primul top Dance/Mix Show Airplay. Pana în 2005, proeminenta muzicii de dans în cultura populara nord-americana a crescut semnificativ. Potrivit Spin, performanta lui Daft Punk la Coachella în 2006 a fost „punctul de varf” pentru EDM – a introdus duo-ul unei noi generatii de „copii rock”. Dupa cum a mentionat Entertainment Weekly, „SexyBack” al lui Justin Timberlake a ajutat la introducerea sunetelor EDM în top 40 de radio, deoarece a reunit variatii ale muzicii electronice de dans cu sunetele R&B ale cantaretului. În 2009, muzicianul house francez David Guetta a început sa castige proeminenta în muzica pop mainstream datorita mai multor hituri încrucisate din Top 40, cum ar fi „When Love Takes Over” cu Kelly Rowland,, precum si colaborarilor sale cu pop si hip din SUA. hop, cum ar fi Akon (“Sexy Bitch”) si The Black Eyed Peas (“I Gotta Feeling”). Site-ul de partajare a muzicii SoundCloud, precum si site-ul de partajare a videoclipurilor YouTube, au contribuit, de asemenea, la stimularea interesului pentru muzica electronica. Producatorul de Dubstep Skrillex a popularizat un sunet mai dur numit „Brostep”, care facuse comparatii cu agresivitatea si tonul heavy metalului.

Odata cu cresterea popularitatii muzicii electronice de dans, promotorii si locatiile si-au dat seama ca DJ-ii ar putea genera profituri mai mari decat muzicienii traditionali; Diplo a explicat ca „o trupa canta [pentru] 45 de minute; DJ-ii pot canta timp de patru ore. Trupe rock — sunt cativa barbati de afis care pot canta în locatii cu o capacitate de 3.000-4.000, dar DJ-ii canta în aceleasi locatii, rasturneaza multimea. de doua ori, oamenii cumpara bauturi toata noaptea la preturi mai mari — este un castig pentru toate.” Festivalurile de muzica electronica, cum ar fi Electric Daisy Carnival (EDC) din Las Vegas si Ultra Music Festival din Miami au crescut, de asemenea, în dimensiune, plasand un accent sporit pe experientele vizuale si pe DJ-i care au început sa obtina un statut de celebritate. Alte acte majore care au castigat importanta, inclusiv Avicii si Swedish House Mafia, au facut turnee în locuri importante, cum ar fi arene si stadioane, mai degraba decat în cluburi; în decembrie 2011, Swedish House Mafia a devenit primul grup de muzica electronica care a vandut Madison Square Garden din New York.[ În 2011, Spin a declarat o „noua generatie rave” condusa de trupe precum David Guetta, Deadmau5 si Skrillex. În ianuarie 2013, Billboard a introdus un nou grafic Dance/Electronic Songs axat pe EDM, urmarind primele 50 de cantece electronice bazate pe vanzari, difuzare radio, redare în club si streaming online. Potrivit Eventbrite, fanii EDM au mai multe sanse sa foloseasca retelele sociale pentru a descoperi si a împartasi evenimente sau concerte. De asemenea, au descoperit ca 78% dintre fani spun ca au mai multe sanse sa participe la un eveniment daca colegii lor o fac, comparativ cu 43% dintre fani în general. EDM are multi fani tineri si sociali.[ Pana la sfarsitul anului 2011, Music Trades descria muzica electronica de dans ca fiind genul cu cea mai rapida crestere din lume.[ Elementele muzicii electronice au devenit, de asemenea, din ce în ce mai importante în muzica pop. Radioul si televiziunea au contribuit, de asemenea, la acceptarea populara a muzicii dance

Interes corporativ american

Consolidarea corporativa în industria EDM a început în 2012, în special în ceea ce priveste evenimentele live. În iunie 2012, directorul media Robert F. X. Sillerman – fondatorul a ceea ce este acum Live Nation – a relansat SFX Entertainment ca un conglomerat EDM si si-a anuntat planul de a investi 1 miliard de dolari pentru a achizitiona afaceri EDM. Achizitiile sale au inclus promotori si festivaluri regionale (inclusiv ID&T, care organizeaza Tomorrowland), doi operatori de cluburi de noapte din Miami si Beatport, un magazin de muzica online care se concentreaza pe muzica electronica. Live Nation a achizitionat, de asemenea, Cream Holdings si Hard Events si a anuntat un „parteneriat creativ” cu organizatorii EDC Insomniac Events în 2013, care i-ar permite sa-si acceseze resursele, ramanand în acelasi timp o companie independenta; CEO-ul Live Nation, Michael Rapino, a descris EDM ca fiind „[nou] rock’n’roll”. Conglomeratul radio american iHeartMedia, Inc. (fost Clear Channel Media and Entertainment) a facut, de asemenea, eforturi pentru a se alinia cu EDM. În ianuarie 2014, a angajat renumitul DJ britanic si personalitatea BBC Radio 1, Pete Tong, sa produca programe pentru marca sa de radio dance „Evolution” si a anuntat un parteneriat cu SFX pentru a coproduce concerte live si programare originala orientata spre EDM pentru compania sa. primele 40 de posturi de radio. Presedintele iHeartMedia, John Sykes, a explicat ca doreste ca proprietatile companiei sale sa fie „cea mai buna destinatie [pentru EDM]”

Marcile majore au folosit, de asemenea, fenomenul EDM ca mijloc de a-ti viza milenii iar melodiile si artistii EDM au fost din ce în ce mai prezentati în reclamele si programele de televiziune.[146] Managerul lui Avicii, Ash Pournouri, a comparat aceste practici cu comercializarea hip-hop-ului la începutul anilor 2000. Heineken are o relatie de marketing cu Ultra Music Festival si a încorporat producatorii olandezi Armin van Buuren si Tiësto în campaniile sale publicitare. Anheuser-Busch are o relatie similara ca sponsor de bere a evenimentelor SFX Entertainment. În 2014, 7 Up a lansat „7x7Up”—o campanie multiplatforma bazata pe EDM, care a inclus continut digital, publicitate cu producatori si scene de marca atat la Ultra, cat si la Electric Daisy Carnival. Operatorul wireless T-Mobile US a încheiat un acord cu SFX pentru a deveni sponsorul oficial wireless al evenimentelor sale si a încheiat un parteneriat cu Above & Beyond pentru a sponsoriza turneul sau din 2015. În august 2015, SFX a început sa înregistreze scaderi ale valorii sale si o oferta esuata a CEO-ului Sillerman de a lua compania privata. Compania a început sa caute alternative strategice care ar fi putut duce la vanzarea companiei. În octombrie 2015, Forbes a declarat posibilitatea unei „bule” EDM, în urma scaderilor de la SFX Entertainment, încetinirea cresterii veniturilor, cresterea costurilor de organizare a festivalurilor si rezervarea talentelor, precum si suprasaturarea festivalurilor din est. si vestul Statelor Unite. CEO-ul Insomniac, Pasquale Rotella, a considerat ca industria va face fata incertitudinii financiare a pietei generale, concentrandu-se pe „inovare” si intrand pe noi piete. În ciuda previziunilor conform carora interesul pentru EDM popular ar scadea, în 2015 s-a estimat ca aceasta va fi o industrie de 5,5 miliarde de lire sterline în SUA, în crestere cu 60% fata de estimarile din 2012. SFX a iesit din faliment în decembrie 2016 sub numele de LiveStyle, sub conducerea lui Randy Phillips, un fost director al AEG Live. Compania a început sa-si cedeze treptat activele muzicale live în 2018, inclusiv vanzarea participatiilor sale la Rock in Rio (pe care o cumparase ca parte a unei încercari de editie a festivalului din Las Vegas), si mai tarziu alte SFX- promotori detinute, cum ar fi ID&T si React Presents. Phillips a demisionat din functia de CEO în 2019 pentru a urma alte proiecte.

Critica de supracomercializare

În urma popularizarii EDM în America, o serie de producatori si DJ, inclusiv Carl Cox, Steve Lawler si Markus Schulz, si-au exprimat îngrijorarea ca supracomercializarea perceputa a muzicii dance a avut un impact asupra „artei” DJ-ului. Cox a considerat abordarea „press-play” adoptata de noii DJ EDM ca nereprezentativa pentru ceea ce el numea „ethosul DJ”. Scriind în Mixmag, DJ Tim Sheridan a sustinut ca „dj-ii cu butoane” care folosesc sincronizarea automata si joaca seturi preînregistrate de „hituri evidente” au dus la o situatie depasita de „spectacol, bani si showbiz”. Unii producatori casei au recunoscut deschis ca EDM „comercial” avea nevoie de diferentiere si creativitate suplimentara. Avicii, al carui album True din 2013 continea cantece care încorporeaza elemente de bluegrass, cum ar fi single-ul principal „Wake Me Up”, a declarat ca majoritatea EDM-ului nu are „longevitate”. Deadmau5 a criticat omogenizarea EDM-ului popular si a sugerat ca „toate suna la fel”. În timpul Festivalului de Muzica Ultra din 2014, Deadmau5 a facut comentarii critice despre noul artist EDM Martin Garrix si mai tarziu a cantat o versiune editata a piesei „Animals” a lui Garrix, remixata pe melodia „Old McDonald Had a Farm”. Ulterior, Tiësto l-a criticat pe Deadmau5 pe Twitter pentru ca a amestecat „sarcastic” „Levels” lui Avicii cu propriul sau „Ghosts ‘n’ Stuff” (în referire la faptul ca este o înlocuire de ultima ora a lui Avicii în programul festivalului din cauza unei probleme medicale), pentru a pe care Deadmau5 a întrebat daca redarea „sarcastic” a unei melodii implica „ranchire [ing] în timp ce apasati butonul de sincronizare”. În mai 2014, serialul de comedie NBC Saturday Night Live a parodiat stereotipurile culturii EDM si ale DJ-urilor cu butoane într-un scurt digital intitulat When Will the Bass Drop?. A prezentat un DJ care efectueaza activitati de zi cu zi – joaca un joc pe computer, prajeste oua, strange bani – care apoi apasa un buton gigant „BASS”, care explodeaza capetele concertelor. Dupa ani de crestere rapida, populara piata EDM americana a început sa scada în 2016, cand un numar de artisti renumiti pentru producerea asa-numitei case electrocasnice „big room” au început sa se diversifice stilistic. Aceasta dezvoltare a fost mentionata direct de doi astfel de DJ – David Guetta si Showtek – într-un single influentat de tehno, lansat în aprilie 2016, intitulat „The Death of EDM”. Pana la sfarsitul anilor 2010, pozitia EDM ca forta dominanta în muzica populara mainstream a început sa scada pe masura ce a fost înlocuita de alte stiluri.

International

În mai 2015, Raportul de afaceri al International Music Summit a estimat ca industria globala a muzicii electronice a atins o valoare de aproape 6,9 miliarde de dolari; Numarul a inclus vanzarile de muzica, veniturile din evenimente (inclusiv cluburi de noapte si festivaluri), vanzarea de echipamente si software pentru DJ si alte surse de venit. Raportul a identificat, de asemenea, cateva piete emergente pentru muzica dance electronica, inclusiv Asia de Est, India si Africa de Sud, creditate în principal din investitiile din partea intereselor interne, americane si europene. Un numar de festivaluri majore au început, de asemenea, sa se extinda în America Latina. În Ghana, Africa de Vest, un artist pe nume Djsky a introdus EDM în 2015 – prezent si a organizat festivaluri si evenimente de succes, cum ar fi Hey Ibiza, Sunset Music Festival, Sky show si multe altele. Într-un interviu acordat WatsUp TV, Djsky a dezvaluit ca a fost primul care a introdus Electronic Music Dance în muzica din Ghana. În Etiopia, EDM a devenit parte din muzica mainstream dupa descoperirea din 2018 a unui tanar artist pe nume Rophnan, care a încorporat sunetul EDM cu ritmuri si melodii traditionale. În emisiunile sale, zeci de mii de tineri strangeau stadioane din toata tara, iar radiourile au început sa redea genul în curs de dezvoltare.

China este o piata în care EDM a facut initial relativ putine incursiuni; desi promotorii credeau ca muzica instrumentala ar elimina o bariera lingvistica metaforica, cresterea EDM în China a fost împiedicata de lipsa unei culturi rave proeminente în tara ca si în alte regiuni, precum si de popularitatea pop chinezesc autohton fata de strainatate. artistilor. Fostul director general al Universal Music Eric Zho, inspirat de cresterea SUA, a facut primele investitii semnificative în muzica electronica în China, inclusiv organizarea festivalului inaugural Storm de la Shanghai în 2013, încheierea unui acord de sponsorizare a festivalului cu Budweiser de la Anheuser-Busch. brand, o cautare locala de talente si organizarea de colaborari între producatorii EDM si cantaretii chinezi, precum „Lose Myself” de la Avicii si Wang Leehom. În anii care au urmat, în China au început sa apara un numar mai mare de evenimente EDM, iar Storm însasi a fost precedata si de un numar mai mare de pre-petreceri în 2014 decat anul sau inaugural. Un nou raport lansat în timpul inaugural International Music Summit China din octombrie 2015 a dezvaluit ca industria chineza EDM înregistra castiguri modeste, invocand numarul mai mare de evenimente (inclusiv noi marci majore de festival, cum ar fi Modern Sky si YinYang), o crestere de 6% a vanzarile de muzica electronica în tara si dimensiunea semnificativa a pietei generale. Zho a mai considerat ca climatul politic „practic” al tarii, precum si investitiile Chinei în evenimente culturale, au ajutat la „încurajarea” cresterii EDM în tara.

Impact Social

Festivaluri

În anii 1980, muzica electronica de dans a fost adesea cantata la petreceri rave ilegale subterane, organizate în locatii secrete, de exemplu, depozite, hangare de avioane abandonate, campuri si orice alte zone mari, deschise. În anii 1990 si 2000, aspectele culturii rave underground din anii 1980 si începutul anilor 1990 au început sa evolueze în concerte si festivaluri EDM legitime, organizate. Festivalurile majore prezinta adesea un numar mare de acte reprezentand diverse genuri EDM raspandite în mai multe etape. Festivalurile au pus un accent mai mare pe spectacolele vizuale ca parte a experientelor lor generale, inclusiv amenajari elaborate cu tematica subiacenta, sisteme complexe de iluminat, spectacole cu laser si pirotehnie. Moda rave a evoluat si în randul participantilor, pe care The Guardian a descris-o ca a progresat de la „kandi raver” din anii 1990 la „ imagine eleganta si sexificata, dar si kitsch-suprareala, la jumatatea distantei dintre Venice Beach si Cirque du Soleil, Willy Wonka si o mandrie gay. parada”. Aceste evenimente se deosebeau de rave-urile subterane prin natura lor organizata, desfasurandu-se adesea în locatii importante si cu masuri pentru a asigura sanatatea si siguranta participantilor. Rawley Bornstein de la MTV a descris muzica electronica drept „noul rock and roll”, la fel ca organizatorul Lollapalooza, Perry Ferrell. Festivalul de muzica Spectrum Dance, 2016 Ray Waddell de la Billboard a remarcat ca promotorii festivalului au facut o treaba excelenta la branding. S-a demonstrat ca festivalurile mai mari au un impact economic pozitiv asupra oraselor gazda, Festivalul de Muzica Ultra din 2014 a adus 165.000 de participanti — si peste 223 de milioane de dolari — în economia regiunii Miami/Florida de Sud. Editia inaugurala a TomorrowWorld — o versiune din SUA a festivalului Tomorrowland din Belgia, a adus 85,1 milioane de dolari în zona Atlanta — la fel de multe venituri ca si gazduirea NCAA Final Four (semifinalele si jocurile de campionat national ale NCAA Division I masculine). Turneu de baschet) la începutul anului. EDC Las Vegas a stimulat economia comitatului Clark cu 350,3 milioane USD numai în 2015, cu peste 405.000 de participanti în trei zile (19-21 iunie).

Popularitatea EDM si a festivalurilor a determinat, de asemenea, unele festivaluri multi-gen care nu sunt puternic asociate cu muzica electronica, cum ar fi Coachella si Lollapalooza, sa adauge mai multe concerte electronice în gama lor. Acestia joaca adesea scene specifice EDM, dar trupe majore precum Deadmau5 si Calvin Harris au facut aparitii generale pe principalele scene ale Lollapalooza si, respectiv, Coachella – plasamente care sunt de obicei asociate cu rock si actiuni alternative. Russell Smith de la The Globe and Mail a considerat ca industria festivalurilor comerciale era o antiteza cu principiile initiale ale subculturii rave, citand „biletele scumpe, sponsorii corporativi giganti, cultura fratilor nebunesti – baieti musculi fara camasa care navigheaza pe stadioane, minuscule. fete populare în bikini care calaresc pe umeri – ca sa nu mai vorbim de muzica sappy în sine.” Incidentele legate de droguri, precum si alte plangeri legate de comportamentul participantilor lor, au contribuit la perceptiile negative si la opozitia fata de evenimentele de muzica electronica. de catre autoritatile locale. Dupa Ultra Music Festival 2014, în care o multime de gatecrashers a calcat în picioare un agent de securitate în prima sa zi, comisarii orasului din Miami au luat în considerare interzicerea festivalului sa aiba loc în oras, invocand incidentul de calcare în picioare, comportamentul lasciv si plangerile locuitorilor din centrul orasului ca au fost hartuiti. de catre participanti. Comisarii au votat pentru a permite Ultra sa continue sa fie tinut în Miami datorita efectelor sale economice pozitive, cu conditia ca organizatorii sai sa abordeze securitatea, consumul de droguri si comportamentul lasciv al participantilor. În 2018, dupa îngrijorari continue, comisarii au votat sa interzica desfasurarea festivalului în Bayfront Park si în centrul orasului Miami,, dar ulterior au aprobat o propunere de mutare a evenimentului pe una dintre insulele bariere din Miami, Virginia. Cheie.[201] În urma festivalului, care a fost afectat de probleme de transport (deoarece exista o singura legatura vehiculara între Virginia Key si Miami continentala) si alte probleme, Ultra a renuntat la acord si a negociat un acord pentru a se întoarce la Bayfront Park.

Impactul Covid-19

Din cauza pandemiei de Covid-19, anularea festivalurilor, însotita de restrictiile privind distantarea sociala, a avut un impact negativ asupra activitatii economice a festivalurilor si a industriei muzicale. Festivalurile trebuie sa aiba reglementari privind sanatatea si siguranta, precum si gestionarea crizelor si riscurilor, deoarece sunt expuse unui risc ridicat din cauza masei de oameni care participa. Drept urmare, a devenit normal ca festivalurile sau spectacolele sa fie transmise online în flux. În cursul anului 2020, toate festivalurile mari de muzica EDM au fost amanate sau anulate din cauza pandemiei de Covid-19. La 4 martie 2020, Ultra Miami a fost primul festival de muzica de dans electronica care a anulat un eveniment, deoarece evenimentul nu s-a putut conforma cu regulile de capacitate ale statului si cu protocoalele si reglementarile de siguranta ale judetului. Pe 21 aprilie 2020, festivalul de muzica Electric Forest din Rothbury, Michigan si-a reprogramat evenimentul în perioada 25-27 iunie 2020 pana în iunie 2021 din cauza problemelor de sanatate. La 9 iulie 2020, primarul orasului New York, Bill de Blasio, a decis ca toate evenimentele importante vor fi suspendate pana pe 30 septembrie. Ca urmare, Electric Zoo 2020, care are loc pe Insula Randall din New York, în timpul weekendului Zilei Muncii, si-a anulat complet evenimentul din 2020. Electric Daisy Carnival Las Vegas (EDC), cel mai mare festival de muzica dance din America de Nord, era programat sa aiba loc în perioada 15-17 mai 2020. În aprilie, EDC si-a amanat evenimentul din mai pentru 2-4 octombrie 2020, iar ulterior a declarat 2 august, EDC Las Vegas 2020 va fi anulat oficial. În schimb, CEO-ul EDC, Pasquale Rotella, a anuntat sarbatorirea celei de-a 25-a aniversari a EDC în perioada 21-23 mai 2021. La 9 aprilie 2021, EDC nu si-a lansat înca programul si protocoalele de siguranta Covid-19 pentru evenimentul care avea loc în mai 2021. Pe 20 aprilie 2021, Rotella a amanat festivalul pentru 22–24 octombrie 2021. Anularile acestor evenimente au afectat economic industria muzicala si companiile care desfasoara aceste evenimente. EDC 2020 s-a vandut initial din cele 200.000 de bilete pentru primul lor eveniment, dar a oferit profituri complete pentru cei care nu au putut ajunge la noi date. Electric Zoo a inclus un stimulent pentru clienti pentru a-si pastra biletul, oferind un plus de 50 USD pentru biletele de intrare generala si 100 USD pentru biletele VIP de cheltuit pentru marfuri si mancare în cadrul festivalului. Majoritatea companiilor de festivaluri de muzica s-au oferit sa transfere biletul la urmatorul lor eveniment sau sa ofere rambursari complete celor care nu au putut participa, dar în cele din urma au pierdut multi clienti din cauza incertitudinii Covid-19.

Asocierea cu consumul de droguri recreative

Muzica de dans are o asociere lunga cu consumul de droguri recreationale,[214] în special cu o gama larga de droguri care au fost clasificate sub denumirea de „droguri de club”. Russell Smith a remarcat ca asocierea drogurilor si a subculturii muzicale nu era în niciun caz exclusiva muzicii electronice, citand exemple anterioare de genuri muzicale care au fost asociate cu anumite droguri, cum ar fi rock psihedelic si LSD, muzica disco si cocaina si muzica punk si heroina. . Imaginea de mai sus arata cum arata de obicei extazul de droguri, desi exista multe forme si forme diferite. Metilendioximetanfetamina (MDMA), cunoscuta si sub denumirea de ecstasy, „E” sau „Molly”, este adesea considerata drogul preferat în cultura rave si este, de asemenea, folosita la cluburi, festivaluri si petreceri în casa. În mediul rave, efectele senzoriale ale muzicii si luminii sunt adesea foarte sinergice cu medicamentul. Calitatea amfetaminei psihedelice a MDMA ofera mai multe motive pentru atragerea sa pentru utilizatorii din setarea „rave”. Unii utilizatori se bucura de sentimentul de comuniune în masa din cauza efectelor inhibitoare ale drogului, în timp ce altii îl folosesc ca combustibil pentru petreceri din cauza efectelor stimulatoare ale drogului. Un alt medicament para-metoxiamfetamina (4-MA), cunoscut si sub numele de ecstasy roz, PMA, „Moarte” sau „Dr. Moarte”, este similar cu MDMA, dar poate dura pana la o ora pentru a produce efecte, ceea ce poate duce la hipertermie. si ulterior, insuficienta de organ. Persoanele care iau PMA sunt adesea confundate cu faptul ca acesta este identificat ca MDMA. MDMA este ocazional cunoscut pentru ca este luat în asociere cu medicamente psihedelice. Cele mai comune combinatii includ MDMA combinat cu LSD, MDMA combinat cu DMT, MDMA cu ciuperci psilocibina si MDMA cu medicamentul disociativ ketamina. Multi utilizatori folosesc produse mentolate în timp ce iau MDMA pentru senzatia de racire în timp ce experimenteaza efectele medicamentului. Exemplele includ tigari cu mentol, Vicks VapoRub, NyQuil si pastile. Incidenta ketaminei nemedicale a crescut în contextul rave-urilor si al altor petreceri. Cu toate acestea, aparitia sa ca droguri de club difera de alte medicamente de club (de ex. MDMA) datorita proprietatilor sale anestezice (de exemplu, vorbire tulbure, imobilizare) la doze mai mari; în plus, exista rapoarte despre ketamina vanduta ca „ecstasy”. De asemenea, a fost documentata utilizarea ketaminei ca parte a unei „experiente postclubbing”.[223] Cresterea ketaminei în cultura dansului a fost rapida în Hong Kong pana la sfarsitul anilor 1990. Înainte de a deveni o substanta controlata la nivel federal în Statele Unite în 1999, ketamina era disponibila sub forma de preparate farmaceutice deturnate si sub forma de pulbere pura vanduta în cantitati vrac de la companiile nationale de furnizare de produse chimice. O mare parte din ketamina actuala deturnata pentru uz nemedical provine din China si India.

Decese legate de droguri la evenimente de muzica electronică de dans

Un numar de decese atribuite consumului aparent de droguri au avut loc la concerte si festivaluri importante de muzica electronica. Los Angeles Memorial Coliseum a trecut pe lista neagra a evenimentelor Insomniac dupa ce un participant minor a murit din cauza „complicatiilor encefalopatiei ischemice din cauza intoxicatiei cu metilendioximfetamina” în timpul Carnavalului Electric Daisy 2010; ca urmare, evenimentul a fost mutat în Las Vegas anul urmator. Decesele cauzate de droguri în timpul Electric Zoo 2013 din New York City, Statele Unite si Future Music Festival Asia 2014 din Kuala Lumpur, Malaezia, au determinat anularea ultimei zile a ambelor evenimente, în timp ce Life in Color a fost anulata. un eveniment planificat în Malaezia din îngrijorare pentru incident si alte decese legate de droguri care au avut loc la concertele A State of Trance 650 din Jakarta, Indonezia. În septembrie 2016, orasul Buenos Aires, Argentina, a interzis toate evenimentele de muzica electronica, în asteptarea unei viitoare legislatii, dupa cinci decese legate de droguri si patru rani la un eveniment Time Warp Festival din oras în aprilie 2016. Interdictia a fortat trupa electronica Kraftwerk sa anulati un concert planificat în oras, în ciuda faptului ca au existat diferente între un festival si concertele lor.