Muzica clasica se refera, in general, la traditia muzicala formala a lumii occidentale, considerata ca fiind distincta de muzica populara occidentala sau de traditiile muzicale populare. Se remarca uneori ca muzica clasica occidentala, deoarece termenul “muzica clasica” se poate referi, de asemenea, la traditiile non-occidentale care prezinta calitati oficiale similare. in plus fata de formalitate, muzica clasica este adesea caracterizata de complexitate in forma sa muzicala si organizatia armonica, in special cu utilizarea polifoniei. Din moment ce cel putin secolul al IX-lea a fost in primul rand o traditie scrisa, reproducerea unui sistem notatal sofisticat, precum si literatura de insotire a practicilor analitice, critice, istoriografice, muzicologice si filosofice. O componenta fundamentala a culturii occidentale, muzica clasica este frecvent vazuta din perspectiva individului sau a grupurilor de compozitori, ale caror compozitii, personalitati si credinte si-au modelat fundamental istoria.
inradacinate in patronajul bisericilor si al instantelor regale din Europa de Vest, muzica medievala timpurie a fost in principal religioasa, monofonica si vocala, cu muzica Greciei antice si a Romei care influenteaza gandul si teoria acesteia. Cele mai vechi manuscrise muzicale ieftine dateaza din Imperiul Carolingian (800-888), in jurul valorii de momentul in care salvatorul occidental sa unificat treptat in ceea ce este numit Gregorian Chant. Centrele muzicale au existat la manastirea Sfantului Gall, manastirea manastirii Sfantului Martial si Sfantul Emmeram, in timp ce secolul al XIX-lea a vazut dezvoltarea notabilitatii personalului si cresterea productiei de teoreticieni de muzica medievala. Pana la mijlocul secolului al XII-lea, Franta a devenit principalul centru muzical european: scoala religioasa Notre-Dame Primul explorat pe deplin ritmuri si polifonie organizate, in timp ce muzica seculara a inflorit cu traditiile Troubadour si Trouvère conduse de nobilii poetului muzician. Acest lucru a culminat in instanta sponsorizat Ars Nova si Tregingo italian, care a evoluat in ARS subtire, o miscare stilistica a diversitatii ritmice extreme. incepand de la inceputul secolului al XV-lea, compozitele renascentiste ale scolii influente Franco-flamande au construit principiile armonice din angloisele de intretinere engleza, aducand muzica sacra la noi standarde, in special Masa si Motelul. Italia de Nord a aparut in curand ca regiune muzicala centrala, unde scoala romana sa angajat in metode foarte sofisticate de polifonie in genuri, cum ar fi Madrigal, care a inspirat scurta scoala Madrigala scurta.
Perioada baroca (1580-1750) a inregistrat standardizarea relativa a tonalitatii comune-practica, precum si importanta crescanda a instrumentelor muzicale, care au crescut in ansambluri de dimensiuni considerabile. Italia a ramas dominanta, fiind locul de nastere al Operei, genul concert centrat pe solist, forma Sonata organizata, precum si genurile centrate pe scara larga ale Oratorio si Cantata. Tehnica de fuga campionata de Johann Sebastian Bach a exemplificat tendinta baroca de complexitate si, ca o reactie, au fost dezvoltate muzica de galant mai simpla si cantece si stilurile Empfindsamkeit. in perioada mai scurta, dar pivotala (1730-1820) compozitori, cum ar fi Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn si Ludwig van Beethoven au creat reprezentanti admirati pe scara larga ai muzicii absolute, inclusiv simfonii, cvartete de coarde si concerte. Muzica romantica ulterioara (1800-1910) sa concentrat asupra muzicii programatice, pentru care cantecul de arta, poezia simfonica si diferitele genuri de pian au fost nave importante. in aceasta perioada, virtuozitatea a fost sarbatorita, a fost incurajata imensitatea, in timp ce filosofia si nationalismul au fost incorporate – toate aspectele care au convertit in operele lui Richard Wagner. Pana in secolul al XX-lea, unificarea stilistica disipata treptat, in timp ce proeminenta muzicii populare a crescut foarte mult. Multi compozitori au evitat in mod activ tehnicile si genurile anterioare in lentila modernismului, cu unele tonalitati abandonate in locul serialismului, in timp ce altii au gasit o noua inspiratie in melodii populare sau sentimente impresioniste. Dupa cel de-al doilea razboi mondial, pentru prima data membrii audientei au evaluat muzica mai veche asupra lucrarilor contemporane, o preferinta care a fost asigurata de aparitia si disponibilitatea pe scara larga a inregistrarilor comerciale. Tendintele de la mijlocul secolului XX pana in prezent includ o noua simplitate, o noua complexitate, minimalism, muzica spectrala si mai recent muzica postmoderna si postminimalism. Din ce in ce mai globale, practicienii din America, Africa si Asia au obtinut roluri cruciale, in timp ce orchestrele simfonice si casele de opera apar acum in intreaga lume.

Origini ideologice

Atat termenul englezesc „clasic”, cat si echivalentul german klassik s-au dezvoltat din francezul classique, el insusi derivat din cuvantul latin classicus, care se referea initial la cea mai inalta clasa de cetateni romani antici. in uzul roman, termenul a devenit mai tarziu un mijloc de a distinge figurile literare venerate; autorul roman Aulus Gellius i-a laudat pe scriitori precum Demostene si Virgiliu drept classicus. Pana la Renastere, adjectivul dobandise un inteles mai general: o intrare din Randle Cotgrave din 1611 A Dictionarie of the French and English Tongues se numara printre cele mai vechi definitii existente, tradusand classique ca „clasic, formal, ordonat, in rang corespunzator sau potrivit; de asemenea, aprobat, autentic, sef, principal”. Muzicologul Daniel Heartz rezuma acest lucru in doua definitii: 1) o „disciplina formala” si 2) un „model de excelenta”. La fel ca Gellius, savantii de mai tarziu renascentiste care au scris in latina au folosit classicus cu referire la scriitorii antichitatii clasice; totusi, acest sens s-a dezvoltat doar treptat si a fost pentru o vreme subordonat idealurilor clasice mai largi de formalitate si excelenta. Literatura si artele vizuale – pentru care au existat exemple substantiale grecesti si romane antice – au adoptat in cele din urma termenul „clasic” ca referitor la antichitatea clasica, dar practic nicio muzica din acea vreme nu a fost disponibila pentru muzicienii renascentist, limitand legatura dintre muzica clasica si Lumea greco-romana.
in Anglia secolului al XVIII-lea termenul „clasic” „a venit pentru prima data pentru a reprezenta un anumit canon de lucrari in performanta”. Londra dezvoltase o scena muzicala de concert public proeminenta, fara precedent si fara egal de alte orase europene. Curtea regala si-a pierdut treptat monopolul asupra muzicii, in mare parte din instabilitatea pe care Commonwealth-ul Angliei a dizolvat si Revolutia Glorioasa asupra muzicienilor de la curte. in 1672, fostul muzician de curte John Banister a inceput sa sustina concerte publice populare la o taverna din Londra;[n 5] popularitatea sa a inaugurat rapid proeminenta concertelor publice din Londra. A aparut conceptia despre „muzica clasica” – sau mai adesea „muzica veche” –, care inca era construita pe principiile formalitatii si excelentei, iar conform lui Heartz „ritualul civic, religia si activismul moral au figurat semnificativ in aceasta noua constructie a gustului muzical. “. Interpretarea unei astfel de muzici a fost specializata de Academia de Muzica Antica si, ulterior, la seria Concerts of Antient Music, unde au fost prezentate lucrari ale unor compozitori selectionati din al XVI-lea si al XVII-lea, in special ale lui George Frideric Handel. in Franta, domnia lui Ludovic al XIV-lea (r. 1638–1715) a cunoscut o renastere culturala, pana la sfarsitul careia scriitori precum Molière, Jean de La Fontaine si Jean Racine au fost considerati a fi depasit realizarile antichitatii clasice. Ele au fost astfel caracterizate drept „clasice”, la fel ca muzica lui Jean-Baptiste Lully (si mai tarziu Christoph Willibald Gluck), fiind desemnate drept „l’opéra française classique”. in restul Europei continentale, abandonarea definirii „clasicului” ca analoga cu lumea greco-romana a fost mai lenta, in primul rand pentru ca formarea repertoriilor canonice a fost fie minima, fie exclusiva pentru clasele superioare.
Multi comentatori europeni de la inceputul secolului al XIX-lea au gasit o noua unificare in definitia lor a muzicii clasice: juxtapunand compozitorii mai vechi Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn si (excluzand unele dintre lucrarile sale ulterioare) Ludwig van Beethoven drept „clasic” impotriva celor emergente. stilul muzicii romantice. Acesti trei compozitori in special au fost grupati in Prima scoala vieneza, numita uneori „clasicii vienezi”, o cuplare care ramane problematica din cauza faptului ca niciunul dintre cei trei nu s-a nascut la Viena si a timpului minim petrecut de Haydn si Mozart in oras. Desi aceasta a fost o caracterizare des exprimata, nu a fost una stricta. in 1879, compozitorul Charles Kensington Salaman i-a definit pe urmatorii compozitori ca fiind clasici: Bach, Haendel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber, Spohr si Mendelssohn. Mai larg, unii scriitori au folosit termenul „clasic” pentru a lauda, in general, lucrarile bine respectate de la diversi compozitori, in special cei care au produs multe lucrari intr-un gen stabilit.

Intelegerea Contemporana

intelegerea contemporana a termenului “muzica clasica” ramane vaga si multilaterala. Alti termeni precum “muzica de arta”, “muzica canonica”, “muzica cultivata” si “muzica serioasa” sunt in mare masura sinonime. Termenul “muzica clasica” este adesea indicat sau implicit de ingrijorare numai in lumea occidentala si, invers, in multe istorii academice, termenul “muzica occidentala” exclude muzica occidentala non-clasica. O alta complicatie se afla in faptul ca “muzica clasica” este uneori folosita pentru a descrie muzica de arta non-occidentala care prezinta caracteristici similare de lunga durata si complexe; Exemplele includ muzica clasica indiana (muzica carnatic si hindustani), muzica Gamelan si diferite stiluri ale Curtii de China Imperial (vezi de exemplu Yayue). Astfel, in termenii din secolul al XX-lea, cum ar fi “muzica clasica occidentala” si “muzica de arta occidentala”, au fost folosite pentru a aborda acest lucru. Muzicologul Ralph P. Locke noteaza ca nici un termen nu este ideal, deoarece acestea creeaza o “complicatie intriganta” atunci cand se ia in considerare “anumiti practicieni ai genurilor de muzica occidentala care provin din culturi non-occidentale”.
Complexitatea in forma muzicala si organizarea armonica sunt trasaturi tipice ale muzicii clasice. Oxford English Dictionary (OED) ofera trei definitii pentru cuvantul “clasic” in legatura cu muzica:
“de excelenta recunoscuta”
“in ceea ce priveste, sau caracteristica unei traditii muzicale formale, distinge de muzica populara sau populara”
si mai precis, “de sau cu privire la muzica europeana formala de la sfarsitul secolului al XVIII-lea si inceputul secolului al XIX-lea, caracterizat prin armonie, echilibru si aderare la formele compozitionale stabilite”.
Ultima definitie se refera la ceea ce este denumit acum perioada clasica, o epoca stilistica specifica a muzicii europene din a doua jumatate a secolului al XVIII-lea pana la inceputul secolului al XIX-lea.

Diviziile de timp majore ale muzicii clasice pana la 1900 sunt perioada de muzica timpurie, care include epira medievala (500-1400) si Renasteri (1400-1600) si perioada de practica comuna, care include barocul (1600-1750), clasic (1750-1820), Era romantica (1810-1910). Perioada curenta cuprinde pana la data de 20 si a XX-lea pana in prezent si include epoca muzicala modernista si epoca muzicala contemporana sau postmoderna, datele fiind adesea contestate. Datele sunt generalizari, deoarece perioadele si se suprapunurile si categoriile sunt oarecum arbitrare, pana la punctul in care unele autoritati inverseaza terminologiile si se refera la o “epoca” comuna, care cuprinde perioade baroce, clasice si romantice “.

Radacini

Traditia clasica occidentala incepe in mod oficial cu muzica creata de si pentru Biserica crestina timpurie. Este probabil ca Biserica primara a dorit sa se disocieze de muzica predominanta a Greciei si Romei antice, deoarece era o amintire a religiei pagane pe care o persecutase si de care fusese persecutata. Ca atare, ramane neclar in ce masura muzica Bisericii Crestine si, prin urmare, muzica clasica occidentala in ansamblu, a fost influentata de muzica antica anterioara. Atitudinea generala fata de muzica a fost adoptata de la teoreticienii si comentatorii muzicii grecesti si romane antice; ca si in societatea greco-romana, muzica a fost vazuta ca un element central al educatiei si inclusa in quadrivium care, in combinatie cu trivium, a alcatuit educatia standard de arte liberale din Evul Mediu. Aceasta mare atentie pentru muzica a fost promovata pentru prima data de savantii Casiodor, Isidor din Sevilla si, in special, Boethius, a caror transmitere si extindere a perspectivelor muzicii din Pitagora, Aristotel si Platon au fost cruciale in dezvoltarea gandirii muzicale medievale. Cu toate acestea, savantii, teoreticienii muzicii medievale si compozitorii au interpretat gresit sau au inteles gresit in mod regulat scrierile predecesorilor lor greci si romani. Acest lucru s-a datorat absentei totale a operelor muzicale greco-romane supravietuitoare disponibile muzicienilor medievali, in masura in care Isidor de Sevilla (c. 559 – 636) a afirmat „daca nu sunt amintite de om sunetele, ele pieri, pentru ca nu pot fi scrise. jos”, nestiind practicile sistematice de notatie ale Greciei Antice cu secole inainte. Muzicologul Gustave Reese noteaza, totusi, ca multe texte greco-romane pot fi inca creditate ca fiind influente pentru muzica clasica occidentala, deoarece muzicienii medievali isi citesc in mod regulat lucrarile – indiferent daca o faceau corect.
Cu toate acestea, exista cateva continuari muzicale incontestabile din lumea antica. Aspecte de baza, cum ar fi monofonia, improvizatia si dominatia textului in cadrul muzical sunt proeminente atat in ​​perioada medievala timpurie, in muzica aproape tuturor civilizatiilor antice. Influentele grecesti includ in special modurile bisericesti (care au fost descendenti ai dezvoltarilor lui Aristoxenus si Pitagora), teoria acustica de baza din acordarea pitagoreica, precum si functia centrala a tetracordurilor. Instrumentele grecesti antice, cum ar fi aulos (un instrument de trestie) si lira (un instrument cu coarde similar cu o harpa mica) au condus in cele din urma la mai multe instrumente moderne ale unei orchestre simfonice. Cu toate acestea, Donald Jay Grout observa ca incercarea de a crea o conexiune evolutiva directa de la muzica antica la medievalul timpuriu este lipsita de temei, deoarece a fost influentata aproape exclusiv de teoria muzicii greco-romane, nu de performanta sau practica.

Era medievala

Muzica medievala include muzica vest-europeana de dupa caderea Imperiului Roman de Apus prin 476 pana in aproximativ 1400. Cantarea monofonica, numita si cantecul de campie sau cantul gregorian, a fost forma dominanta pana in jurul anului 1100. Calugarii crestini au dezvoltat primele forme de notatie muzicala europeana in pentru a uniformiza liturghia in intreaga Biserica. Muzica polifonica (cu mai multe voci) s-a dezvoltat din cantarea monofonica de-a lungul Evului Mediu tarziu si pana in Renastere, inclusiv vocalizarile mai complexe ale motetelor. in perioada medievala anterioara, muzica vocala din genul liturgic, predominant cantul gregorian, era monofonica, folosind o singura linie de melodie vocala neinsotita. Genurile vocale polifonice, care foloseau mai multe melodii vocale independente, au inceput sa se dezvolte in timpul epocii medievale inalte, devenind predominante pana la sfarsitul secolului al XIII-lea si inceputul secolului al XIV-lea. Compozitorii medievali importanti includ Hildegard de Bingen, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Francesco Landini si Johannes Ciconia.
Exista inca multe instrumente muzicale medievale, dar sub diferite forme. Instrumentele medievale includ flaut, flaut si instrumente cu coarde ciupite, cum ar fi lauta. De asemenea, au existat versiuni timpurii ale orgai si lautarului (sau vielle). Instrumentele medievale in Europa fusesera cel mai frecvent folosite singure, adesea singure insotite de o nota de drona sau ocazional in parti. Cel putin inca din secolul al XIII-lea si pana in secolul al XV-lea a existat o impartire a instrumentelor in haut (instrumente zgomotoase, stridente, in aer liber) si bas (instrumente mai silentioase, mai intime). O serie de instrumente au radacini in predecesorii estici care au fost adoptati din lumea islamica medievala. De exemplu, rebab arab este stramosul tuturor instrumentelor europene cu coarde cu arc, inclusiv lira, rebec si vioara.

Era renasterii

Epoca Renasterii a fost intre 1400 si 1600. A fost caracterizata printr-o utilizare mai mare a instrumentatiei, linii melodice care se intrepatrund multiple si utilizarea primelor instrumente de bas. Dansul social a devenit mai raspandit, astfel incat formele muzicale adecvate pentru dansul insotitor au inceput sa se standardizeze. in aceasta perioada a inceput sa prinda contur notatia muzicii pe un personal si alte elemente ale notatiei muzicale. Aceasta inventie a facut posibila separarea compozitiei unei piese muzicale de transmiterea acesteia; fara muzica scrisa, transmisia era orala si se putea schimba de fiecare data cand era transmisa. Cu o partitura muzicala, o opera muzicala putea fi interpretata fara prezenta compozitorului. Inventia tiparului mobil in secolul al XV-lea a avut consecinte de amploare asupra conservarii si transmiterii muzicii.
O deschidere iluminata din codexul Chigi cu Missa Ecce ancilla Domini a lui Kyrie of Ockeghem
Multe instrumente au aparut in timpul Renasterii; altele erau variatii sau imbunatatiri ale instrumentelor care existau anterior. Unii au supravietuit pana in zilele noastre; altele au disparut, doar pentru a fi recreate pentru a interpreta muzica pe instrumente de epoca. Ca si in zilele noastre, instrumentele pot fi clasificate ca alama, coarde, percutie si suflat din lemn. Instrumentele de alama din Renastere erau cantate in mod traditional de profesionisti care erau membri ai breslelor si includeau trompeta de tobogan, cornetul de lemn, trompeta fara supape si sackbut. Instrumentele cu coarde au inclus viola, rebec, lira asemanatoare harpei, ghirona, lauta, chitara, citernul, bandora si orfarionul. Instrumentele cu clape cu coarde includ clavecinul si clavicordul. Instrumentele de percutie includ triunghiul, harpa evreiasca, tamburinul, clopotele, oala si diferite tipuri de tobe. Instrumentele de suflat din lemn au inclus shawm cu stuf dublu (un membru timpuriu al familiei oboi), pipa de trestie, cimpoiul, flaut transversal, flauta, dulcianul si crumhornul. Au existat orgi simple, dar au fost in mare parte limitate la biserici, desi existau varietati portabile. Imprimarea a permis standardizarea descrierilor si specificatiilor instrumentelor, precum si instruirea in utilizarea acestora.
Muzica vocala in Renastere este remarcata pentru inflorirea unui stil polifonic din ce in ce mai elaborat. Principalele forme liturgice care au rezistat de-a lungul intregii perioade a Renasterii au fost masele si motetele, cu alte evolutii catre sfarsit, mai ales pe masura ce compozitorii de muzica sacra au inceput sa adopte forme seculare (cum ar fi madrigalul) pentru propriile lor proiecte. Spre sfarsitul perioadei, se vad precursorii dramatici timpurii ai operei, cum ar fi monodia, comedia madrigala si intermedioul. in jurul anului 1597, compozitorul italian Jacopo Peri a scris Dafne, prima opera numita astazi opera. De asemenea, a compus Euridice, prima opera care a supravietuit pana in zilele noastre.
Compozitori de seama ale Renasterii includ Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert , Jacques Arcadelt si Cipriano de Rore.

Baroque

Muzica baroca se caracterizeaza prin utilizarea unui contrapunct tonal complex si a unui basso continuu, o linie de bas continua. Muzica a devenit mai complexa in comparatie cu cantecele simple din toate perioadele anterioare. inceputurile formei sonatei s-au conturat in canzona, la fel ca si o notiune mai formalizata de tema si variatii. Tonalitatile majorului si minorului ca mijloace de gestionare a disonantei si cromatismului in muzica au luat contur deplin.
in epoca barocului, muzica de la claviatura cantata la clavecin si orga a devenit din ce in ce mai populara, iar familia de viori a instrumentelor cu coarde a luat forma in general vazuta astazi. Opera ca o drama muzicala pusa in scena a inceput sa se diferentieze de formele muzicale si dramatice anterioare, iar formele vocale precum cantata si oratoriul au devenit mai comune. Vocalistii au inceput pentru prima data sa adauge note suplimentare muzicii.
Teoriile care inconjoara temperamentul egal au inceput sa fie puse in practica mai larga, mai ales ca a permis o gama mai larga de posibilitati cromatice in instrumentele cu tastatura greu de reglat. Desi J.S. Bach nu a folosit temperamentul egal, deoarece un pian modern este in general acordat, schimbarile de temperament de la sistemul meantone, obisnuit la acea vreme, la diferite temperamente care faceau ca modulatia intre toate clapele sa fie acceptabila din punct de vedere muzical, i-au facut posibila Clavierul bine temperat.
Instrumentele baroc au inclus unele instrumente din perioadele anterioare (de exemplu, ghiurda si flotul) si o serie de instrumente noi (de exemplu, oboiul, fagotul, violoncelul, contrabasul si fortepiano). Unele instrumente din epocile anterioare au cazut in nefolosire, cum ar fi shawm, cittern, rackett si cornet de lemn. Instrumentele cheie baroc pentru coarde au inclus vioara, viola, viola, viola d’amore, violoncel, contrabas, lauta, teorba (care canta adesea in piese de bas continuu), mandolina, chitara baroca, harpa si ghiurda. Instrumentele de suflat au inclus flaut baroc, oboi baroc, flotf si fagot. Instrumentele de alama au inclus cornetul, cornul natural, trompeta naturala, sarpele si trombonul. Instrumentele cu tastatura au inclus clavicordul, pianul tangent, clavecinul, orga si, mai tarziu, in perioada, fortepiano (o versiune timpurie a pianului). Instrumentele de percutie au inclus timpanii, capcana, tamburina si castanetele.
O diferenta majora intre muzica baroc si epoca clasica care a urmat este ca tipurile de instrumente folosite in ansamblurile baroc erau mult mai putin standardizate. Un ansamblu baroc poate include unul dintre mai multe tipuri diferite de instrumente cu claviatura (de exemplu, orga sau clavecin), instrumente suplimentare cu coarde (de exemplu, o lauta), coarde cu arc, instrumente de suflat din lemn si alama si un numar nespecificat de instrumente de bas care interpreteaza basul continuu (de exemplu, un violoncel, contrabas, viola, fagot, sarpe etc.).
Evolutiile vocale din epoca barocului au inclus dezvoltarea unor tipuri de opera, cum ar fi opera seria si opéra comique, si forme conexe precum oratoriile si cantatele.
Compozitori importanti ai acestei epoci includ Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully si Heinrich Schütz.

Clasic

Desi termenul „muzica clasica” include toata muzica de arta occidentala din epoca medievala pana in anii 2000, epoca clasica a fost perioada muzicii de arta occidentala din anii 1750 pana la inceputul anilor 1820 – epoca lui Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn si Ludwig. van Beethoven.
Epoca clasica a stabilit multe dintre normele de compozitie, prezentare si stil si a fost, de asemenea, atunci cand pianul a devenit instrumentul predominant cu claviatura. Fortele de baza necesare pentru o orchestra au devenit oarecum standardizate (desi ar creste pe masura ce potentialul unei game mai largi de instrumente a fost dezvoltat in secolele urmatoare). Muzica de camera a crescut pentru a include ansambluri cu pana la 8 pana la 10 interpreti pentru serenade. Opera a continuat sa se dezvolte, cu stiluri regionale in Italia, Franta si tarile de limba germana. Opera buffa, o forma de opera comica, a crescut in popularitate. Simfonia a devenit o forma muzicala, iar concertul a fost dezvoltat ca un vehicul pentru demonstrarea abilitatilor virtuoase de interpretare. Orchestrele nu mai aveau nevoie de un clavecin (care facuse parte din continuu traditional in stilul baroc) si erau adesea conduse de violonistul principal (numit acum concertmaster).
Muzicienii din epoca clasica au continuat sa foloseasca multe dintre instrumentele din epoca barocului, cum ar fi violoncelul, contrabasul, flotul, trombonul, timpanul, fortepiano (precursorul pianului modern) si orga. in timp ce unele instrumente baroc au cazut in neutilizare (de exemplu, teorba si racheta), multe instrumente baroc au fost schimbate in versiunile care sunt inca folosite astazi, cum ar fi vioara baroc (care a devenit vioara), oboiul baroc (care a devenit oboi) si trompeta baroca, care a trecut la trompeta obisnuita cu valve. in timpul epocii clasice, instrumentele cu coarde folosite in orchestra si muzica de camera, cum ar fi cvartetele de coarde, au fost standardizate ca cele patru instrumente care formeaza sectiunea de coarde a orchestrei: vioara, viola, violoncelul si contrabasul. Instrumentele cu coarde din epoca barocului, cum ar fi violele cu arc, au fost eliminate treptat. Instrumentele de suflat au inclus clarinetul de basset, cornul de basset, clarinetul d’amour, clarinetul clasic, chalumeau, flaut, oboi si fagot. Instrumentele cu claviatura includ clavicordul si fortepianoul. in timp ce clavecinul era inca folosit in acompaniamentul de basso continuu in anii 1750 si 1760, a cazut din uz la sfarsitul secolului. Instrumentele de alama au inclus buccina, ophicleida (un inlocuitor pentru sarpele bas, care a fost precursorul tubei) si cornul natural.
Instrumentele de suflat au devenit mai rafinate in epoca clasica. in timp ce instrumentele cu trefa dubla, cum ar fi oboiul si fagotul, au devenit oarecum standardizate in baroc, familia clarinetului de treburi simple nu a fost utilizata pe scara larga pana cand Mozart si-a extins rolul in setarile orchestrale, de camera si de concert.
Principalii compozitori ai acestei perioade includ Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri si Johann Nepomuk Hummel.

Romantic

Muzica erei romantice, de la aproximativ prima decada a secolului al XIX-lea pana la inceputul secolului al XX-lea, a fost caracterizata de o atentie sporita la o linie melodica extinsa, precum si elemente expresive si emotionale, paralel cu romanticism in alte forme de arta. Formele muzicale au inceput sa se rupa de la formele de epoca clasica (chiar si pe cei care au fost codificati), cu piese libere, cum ar fi nocturne, fantezii si preludii fiind scrise in cazul in care ideile acceptate despre expunerea si dezvoltarea temelor au fost ignorate sau minimizate. Muzica a devenit mai cromatica, disonanta si colorata, cu tensiuni (cu privire la normele acceptate ale formelor mai vechi) despre semnaturile cheie in crestere. Songul de arta (sau mintit) a ajuns la maturitate in aceasta epoca, la fel ca si scalele epice ale Operei Grand, in cele din urma transcendente de ciclul inelului lui Richard Wagner.
in secolul al XIX-lea, institutiile muzicale au aparut din controlul patronilor bogati, deoarece compozitorii si muzicienii ar putea construi vieti independente de nobilime. Cresterea interesului fata de muzica de catre clasele medii in crestere din Europa de Vest a stimulat crearea organizatiilor pentru predarea, performanta si conservarea muzicii. Pianul, care si-a atins constructia moderna in aceasta era (partial datorita progreselor industriale in metalurgie) a devenit larg populara cu clasa mijlocie, ale carei cerinte pentru instrumentul a stimulat multi constructori de pian. Multe orchestre simfonice dateaza infiintarea lor in aceasta era. Unii muzicieni si compozitori au fost stelele zilei; Unii, ca Franz Liszt si Niccolò Paganini, au implinit ambele roluri.
Ideile si institutiile culturale europene au inceput sa urmeze expansiunea coloniala in alte parti ale lumii. A existat, de asemenea, o crestere, mai ales spre sfarsitul erei, a nationalismului in muzica (ecou, ​​in unele cazuri, sentimentele politice ale timpului), ca compozitori precum Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov si Antonín Dvořák a redirectionat muzica traditionala din patrii lor in compozitiile lor.
in epoca romantica, pianul modern, cu un ton mai puternic, sustinut si o gama mai larga a preluat de la cea mai delicata Fortiano. in orchestra, instrumentele si sectiunile clasice existente au fost retinute (sectiunea de sir, din lemn, alama si percutie), dar aceste sectiuni au fost in mod obisnuit extinse pentru a face un sunet mai plin si mai mare. De exemplu, in timp ce o orchestra baroca poate avea doi jucatori dublu bas, o orchestra romantica ar putea avea la fel de zece. “Deoarece muzica a devenit mai expresiva, paleta standard orchestrala nu a fost suficient de bogata pentru multi compozitori romantic.”
Familiile de instrumente utilizate, in special in orchestre, au crescut; Un proces care a culminat la inceputul secolului al XX-lea, cu orchestre foarte mari folosite de compozitori romantici si modernici tarzii. A inceput sa apara o gama mai larga de instrumente de percutie. Instrumentele de alama au avut roluri mai mari, deoarece introducerea supapelor rotative a facut posibil ca acestea sa joace o gama mai larga de note. Dimensiunea orchestrei (in mod obisnuit in jurul valorii de 40 in epoca clasica) a crescut peste 100. Simfonia nr. 1906 a lui Gustav Mahler, de exemplu, a fost efectuata cu peste 150 de instrumentisti si coruri de peste 400. Au fost adaugate noi instrumente de lemn, Cum ar fi contrabassoon, s-au adaugat Clarinet Bass si Piccolo si noi instrumente de percutie, inclusiv xilofoane, tobe de snare, Celestas (un instrument de tastatura de clopot), clopote si triunghiuri, harfe de orchestrate mari si chiar masini eoliene pentru efecte sonore. Saxofoanele apar in unele scoruri de la sfarsitul secolului al XIX-lea, de obicei, prezentate ca un instrument solo, mai degraba decat ca parte integranta a orchestrei.
Tuba Wagner, un membru modificat al familiei Horn, apare in ciclul lui Richard Wagner der des Nibelungen. De asemenea, are un rol proeminent in Symphonia nr. 7 a lui Anton Bruckner si este, de asemenea, folosita in mai multe lucrari romantice si moderniste de la Richard Strauss, Béla Bartók, iar altele [85] sunt in mod regulat in scorurile din secolul al XIX-lea, alaturi de trambite care au fost considerate mai putin agile, cel putin pana la sfarsitul secolului.
Compozitorii proeminenti ai acestei ere includ Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Johannes Brahms, Edvard Grieg si Johann Strauss II. Gustav Mahler si Richard Strauss sunt in mod obisnuit considerate compozitori de tranzitie a caror muzica combina atat elemente moderniste tarzii si timpurii timpurii.

Modernist

Cuprinzând o mare varietate de stiluri post-romantice, muzica clasică modernistă include stiluri de compoziție romantice târzii, impresioniste, expresioniste și neoclasice. Modernismul a marcat o epocă în care mulți compozitori au respins anumite valori ale perioadei de practică obișnuită, cum ar fi tonalitatea tradițională, melodia, instrumentația și structura. Unii istorici ai muzicii consideră modernismul muzical ca o eră care se extinde din aproximativ 1890 până în 1930. Alții consideră că modernismul s-a încheiat cu unul sau altul dintre cele două războaie mondiale. Alte autorități susțin că modernismul nu este asociat cu nicio epocă istorică, ci mai degrabă este „o atitudine a compozitorului; o construcție vie care poate evolua odată cu vremurile”. În ciuda declinului său în ultima treime a secolului al XX-lea, a rămas la sfârșitul secolului un nucleu activ de compozitori care au continuat să avanseze ideile și formele modernismului, precum Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson și Ralph Shapey.
Două mișcări muzicale care au dominat în această perioadă au fost cea impresionistă începută în jurul anului 1890 și expresionistă care a început în jurul anului 1908. A fost o perioadă de reacții diverse în provocarea și reinterpretarea unor categorii mai vechi de muzică, inovații care duc la noi moduri de organizare și abordare a armoniei. , aspectele melodice, sonore și ritmice ale muzicii și schimbările viziunilor estetice asupra lumii în strânsă legătură cu perioada mai largă identificabilă a modernismului în artele vremii. Cuvântul operativ cel mai asociat cu acesta este „inovație”. Caracteristica sa principală este o „pluralitate lingvistică”, adică niciun gen muzical nu și-a asumat vreodată o poziție dominantă.
Orchestra a continuat să crească în dimensiuni în timpul primelor epoci moderniste, atingând apogeul în primele două decenii ale secolului al XX-lea. Saxofoanele care au apărut doar rar în timpul secolului al XIX-lea au devenit mai frecvent utilizate ca instrumente suplimentare, dar nu au devenit niciodată membri de bază ai orchestrei. Deși apare doar ca instrumente solo prezentate în unele lucrări, de exemplu orchestrația lui Maurice Ravel din Picturile lui Modest Mussorgsky la o expoziție și Dansurile simfonice ale lui Serghei Rachmaninoff, saxofonul este inclus în alte lucrări precum Romeo și Julieta Suites 1 și 2 de Serghei Prokofiev și multe altele. lucrează ca membru al ansamblului orchestral. În unele compoziții, cum ar fi Boléro-ul lui Ravel, două sau mai multe saxofoane de dimensiuni diferite sunt folosite pentru a crea o secțiune întreagă ca și celelalte secțiuni ale orchestrei. Eufoniul este prezentat în câteva lucrări romantice târzii și din secolul al XX-lea, cântând de obicei piese marcate „tuba tenor”, ​​inclusiv Planetele lui Gustav Holst și Ein Heldenleben de Richard Strauss.
Compozitorii proeminenți de la începutul secolului al XX-lea includ Igor Stravinsky, Claude Debussy, Serghei Rachmaninoff, Serghei Prokofiev, Arnold Schoenberg, Nikos Skalkottas, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Cécile Chaminade, Paul Hindemith, Aram Khachaturian, George Gershwin, Amy. Beach, Béla Bartók și Dmitri Șostakovici, împreună cu Mahler și Strauss amintiți mai sus ca figuri de tranziție care au trecut din secolul al XIX-lea.

Post-modern/contemporan

Muzica postmoderna este o perioada a muzicii care a inceput inca din 1930, potrivit unor autoritati. impartaseste caracteristici cu arta postmodernista – adica arta care vine dupa si reactioneaza impotriva modernismului.
Alte autoritati au echivalat mai mult sau mai putin muzica postmoderna cu „muzica contemporana” compusa cu mult dupa 1930, de la sfarsitul secolului al XX-lea pana la inceputul secolului XXI. Unele dintre diversele miscari ale erei postmoderne/contemporane includ neoromantic, neomedieval, minimalist si post minimalist.
Muzica clasica contemporana de la inceputul secolului al XXI-lea a fost adesea considerata a include toate formele muzicale post-1945. O generatie mai tarziu, acest termen se refera acum in mod adecvat la muzica de astazi scrisa de compozitori care sunt inca in viata; muzica care a devenit importanta la mijlocul anilor 1970. Include diferite variatii ale muzicii moderniste, postmoderne, neoromantice si pluraliste.

Interpreții care au studiat mult muzica clasică se spune că sunt „formați clasic”. Această pregătire poate proveni din lecții private de la profesori de instrument sau de voce sau din finalizarea unui program formal oferit de un conservator, colegiu sau universitate, cum ar fi o diplomă de licență în muzică sau master în muzică (care include lecții individuale de la profesori). În muzica clasică, este necesară „… educație și formare muzicală formală extinsă, adesea până la nivel postuniversitar [master]”.
Interpretarea repertoriului de muzică clasică necesită o competență în citirea vizuală și interpretarea în ansamblu, principii armonice, pregătire puternică a urechii (pentru a corecta și ajusta tonurile după ureche), cunoaștere a practicii de interpretare (de exemplu, ornamentație baroc) și o familiaritate cu stilul/ limbaj muzical așteptat pentru un anumit compozitor sau o anumită operă muzicală (de exemplu, o simfonie Brahms sau un concert Mozart).[necesită citare]
Caracteristica cheie a muzicii clasice europene care o deosebește de muzica populară, muzica populară și unele alte tradiții muzicale clasice, cum ar fi muzica clasică indiană, este că repertoriul tinde să fie scris în notație muzicală, creând o parte muzicală sau o partitură. Acest scor determină de obicei detaliile ritmului, înălțimea și, în cazul în care sunt implicați doi sau mai mulți muzicieni (fie cântăreți sau instrumentiști), modul în care sunt coordonate diferitele părți. Calitatea scrisă a muzicii a permis un nivel ridicat de complexitate în interiorul lor: fugile, de exemplu, realizează o căsătorie remarcabilă de linii melodice distinctive, țesute în contrapunct, creând totuși o logică armonică coerentă. Utilizarea notației scrise păstrează, de asemenea, o înregistrare a lucrărilor și le permite muzicienilor clasici să interpreteze muzică de acum multe secole.
Deși muzica clasică din anii 2000 și-a pierdut cea mai mare parte din tradiția de improvizație muzicală, din epoca baroc până la epoca romantică, există exemple de interpreți care ar putea improviza în stilul epocii lor. În epoca barocului, interpreții de orgă improvizau preludii, cei de la clape care cântau la clavecin improvizau acorduri din simbolurile de bas figurate sub notele de bas ale părții de basso continuu, iar interpreții vocali și instrumentali improvizau ornamente muzicale. Johann Sebastian Bach a fost remarcat în special pentru improvizațiile sale complexe. În epoca clasică, compozitorul-interpret Wolfgang Amadeus Mozart a fost remarcat pentru capacitatea sa de a improviza melodii în diferite stiluri. În perioada romantică, Ludwig van Beethoven improviza la pian.

Aproape toti compozitorii care sunt descrisi in manualele de muzica de muzica clasica si ale caror lucrari sunt interpretate pe scara larga ca parte a repertoriului standard de concerte sunt compozitori barbati, chiar daca a existat un numar mare de femei compozitoare de-a lungul perioadei muzicii clasice. Muzicologul Marcia Citron s-a intrebat „[de ce] muzica compusa de femei este atat de marginala fata de repertoriul „clasic” standard?” Citron „examineaza practicile si atitudinile care au dus la excluderea femeilor compozitoare din „canonul” primit al operelor muzicale interpretate”. Ea sustine ca in anii 1800, femeile compozitoare au scris de obicei cantece de arta pentru interpretare in recitaluri mici, mai degraba decat simfonii destinate interpretarii cu o orchestra intr-o sala mare, lucrarile din urma fiind vazute ca fiind cel mai important gen pentru compozitori; intrucat femeile compozitoare nu au scris multe simfonii, ele au fost considerate a nu fi notabile ca compozitoare. in „… Concise Oxford History of Music, Clara S[c]humann este una dintre singurele femei compozitoare mentionate.” [103] Abbey Philips afirma ca „[pe parcursul secolului XX, femeile care compuneau/ cantau au castigat mult mai putina atentie decat omologii lor masculini”.
Din punct de vedere istoric, orchestrele profesionale majore au fost compuse in mare parte sau in intregime din muzicieni care sunt barbati. Unele dintre cele mai timpurii cazuri de femei angajate in orchestre profesioniste au fost in postura de harpista. Filarmonica din Viena, de exemplu, nu a acceptat femeile ca membru permanent pana in 1997, mult mai tarziu decat celelalte orchestre clasate printre primele cinci din lume de Gramophone in 2008. Ultima orchestra majora care a numit o femeie intr-o functie permanenta a fost Filarmonica din Berlin. . in februarie 1996, principalul flaut al Filarmonicii din Viena, Dieter Flury, a spus Westdeutscher Rundfunk ca acceptarea femeilor ar fi „un joc de noroc cu unitatea emotionala (emotionelle Geschlossenheit) pe care acest organism o are in prezent”. in aprilie 1996, secretarul de presa al orchestrei scria ca „compensarea concediilor preconizate” ale concediului de maternitate ar fi o problema.
in 1997, Filarmonica din Viena „s-a confruntat cu proteste in timpul unui turneu [SUA]” al Organizatiei Nationale pentru Femei si al Aliantei Internationale pentru Femei in Muzica. in cele din urma, „dupa ce au fost supusi ridicolului tot mai mare chiar si in Austria social conservatoare, membrii orchestrei s-au adunat [la 28 februarie 1997] intr-o intalnire extraordinara in ajunul plecarii lor si au acceptat sa admita o femeie, Anna Lelkes, ca harpista. ” incepand cu 2013, orchestra are sase membri de sex feminin; una dintre ele, violonista Albena Danailova a devenit unul dintre concertiştii orchestrei in 2008, prima femeie care a ocupat aceasta funcţie. in 2012, femeile reprezentau inca doar 6% din membrii orchestrei. Presedintele VPO, Clemens Hellsberg, a spus ca VPO foloseste acum auditii oarbe complet ecranate.
in 2013, un articol din Mother Jones a afirmat ca, in timp ce „[m]orice orchestre prestigioase au un numar semnificativ de membri feminini — femeile depasesc in numar barbatii in sectiunea de vioara a Filarmonicii din New York — si mai multe ansambluri renumite, inclusiv Orchestra Simfonica Nationala, Simfonia din Detroit si Simfonia din Minnesota, sunt conduse de femei violoniste”, sectiunile de contrabas, alama si percutie ale orchestrelor majore „…sunt inca predominant barbati”. Un articol BBC din 2014 a afirmat ca „…introducerea auditiilor „oarbe”, in care un potential instrumentist canta in spatele unui ecran, astfel incat juriul sa nu poata exercita prejudecati de gen sau rasa, a vazut echilibrul de gen al simfoniei in mod traditional dominata de barbati. orchestrele se schimba treptat”.

Muzica populara

Muzica clasica a incorporat adesea elemente sau materiale din muzica populara din vremea compozitorului. Exemplele includ muzica ocazionala, cum ar fi folosirea de catre Brahms a cantecelor studentilor care bea in Uvertura sa Academic Festival, genuri exemplificate de Opera de trei pene a lui Kurt Weill si influenta jazzului asupra compozitorilor de la inceputul si mijlocul secolului al XX-lea, inclusiv Maurice Ravel, exemplificata de miscare. intitulat „Blues” in sonata sa pentru vioara si pian. Unii compozitori clasici postmoderni, minimalisti si postminimalisti recunosc o datorie fata de muzica populara.
Numeroase exemple arata influenta in directia opusa, inclusiv melodiile populare bazate pe muzica clasica, utilizarea la care a fost dat Canonul lui Pachelbel inca din anii 1970 si fenomenul de incrucisare muzicala, in care muzicienii clasici au obtinut succes in arena muzicii populare. in heavy metal, un numar de chitaristi principali (cantand la chitara electrica), inclusiv Ritchie Blackmore si Randy Rhoads, si-au modelat stilurile de joc pe muzica instrumentala baroc sau clasica.

Muzica folk

Compozitorii de muzica clasica au folosit adesea muzica populara (muzica creata de muzicieni care de obicei nu sunt formati in mod clasic, adesea dintr-o traditie pur orala). Unii compozitori, cum ar fi Dvořák si Smetana, au folosit teme populare pentru a conferi o aroma nationalista lucrarii lor, in timp ce altii, precum Bartók, au folosit teme specifice ridicate integral din originile lor in muzica populara. Khachaturian a incorporat pe scara larga in opera sa muzica populara a Armeniei natale, dar si alte grupuri etnice din Orientul Mijlociu si Europa de Est.

Anumite elemente de baza ale muzicii clasice sunt adesea folosite in comert (fie in publicitate, fie in coloanele sonore ale filmelor). in reclamele de televiziune, mai multe pasaje au devenit clisee, in special deschiderea lui Richard Strauss Also sprach Zarathustra (facut celebru in filmul 2001: A Space Odyssey) si sectiunea de deschidere „O Fortuna” a Carminei Burana de Carl Orff; Alte exemple includ „Dies irae” din Requiem-ul lui Verdi, „in Sala Regelui Muntelui” de Edvard Grieg din Peer Gynt, batoanele de deschidere ale Simfoniei nr. 5 a lui Beethoven, „Calatoria valchiriilor” de Wagner din Die Walküre, Rimsky. – „Zborul bondarului” de Korsakov si fragmente din Rodeo-ul lui Aaron Copland. [Citare necesara] Mai multe lucrari din Epoca de Aur a animatiei au adaptat actiunea cu muzica clasica. Exemple notabile sunt Fantasia lui Walt Disney, Johann Mouse a lui Tom si Jerry si Warner Bros.’ Iepurele din Sevilla si Ce este Opera, Doc?
in mod similar, filmele si televiziunea revin adesea la fragmente standard, cliseate, de muzica clasica pentru a transmite rafinament sau opulenta: unele dintre piesele cel mai des auzite din aceasta categorie includ Suita nr. 1 pentru violoncel a lui Bach, Eine kleine Nachtmusik de Mozart, Four Seasons de Vivaldi. , Noaptea lui Mussorgsky pe muntele chel (orchestrata de Rimski-Korsakov) si „Uvertura lui William Tell” de Rossini. Shawn Vancour sustine ca comercializarea muzicii clasice la inceputul secolului al XX-lea ar fi putut dauna industriei muzicale prin reprezentarea inadecvata.

in anii 1990, au scris mai multe lucrari de cercetare si carti populare despre ceea ce a fost numit “efectul Mozart”: o crestere temporara observata, mica de scoruri pe anumite teste ca urmare a ascultarii lucrarilor lui Mozart. Abordarea a fost popularizata intr-o carte de catre Don Campbell si se bazeaza pe un experiment publicat in Nature, sugerand ca ascultarea temporara a Mozart a stimulat temporar studentii cu 8 pana la 9 puncte. Aceasta versiune popularizata a teoriei a fost exprimata succint de catre Coloristul New York Times Music Alex Ross: “Cercetatorii … au hotarat ca ascultarea lui Mozart te face de fapt mai inteligenta”. Promotorii CD-uri comercializate au sustinut ca induce efectul. Florida a adoptat o lege care necesita copii mici in scoli de stat pentru a asculta muzica clasica in fiecare zi, iar in 1998 guvernatorul din Georgia a bugetat 105.000 de dolari pe an pentru a oferi fiecarui copil nascut in Georgia cu o banda sau un CD de muzica clasica. Unul dintre coautorii studiilor originale ale efectului Mozart a comentat “Nu cred ca poate rani. Sunt tot pentru a expune copiii la experiente culturale minunate. Dar cred ca banii ar putea fi mai bine cheltuiti pentru educatia muzicala programe. “

Subgenuri

Muzica de avangarda este muzica care este considerata a fi in fruntea inovatiei in domeniul sau, termenul „avangarda” implicand o critica a conventiilor estetice existente, respingerea status quo-ului in favoarea elementelor unice sau originale si ideea de a provoca sau instraina in mod deliberat publicul. Muzica de avangarda se poate distinge de muzica experimentala prin modul in care adopta o pozitie extrema in cadrul unei anumite traditii, in timp ce muzica experimentala se afla in afara traditiei.

Muzica baroca (Marea Britanie: /bəˈrɒk/ sau SUA: /bəˈroʊk/) este o perioada sau stil de muzica clasica occidentala din aproximativ 1600 pana in 1750, originara din Europa de Vest. Aceasta epoca a urmat epocii muzicii renascentiste si a fost urmata, la randul sau, de epoca clasica, stilul galant marcand tranzitia intre epocile baroc si clasica. Perioada barocului este impartita in trei faze majore: timpurie, mijlocie si tarzie. Suprapunandu-se in timp, ele sunt datate in mod conventional din 1580 pana in 1650, din 1630 pana in 1700 si din 1680 pana in 1750. Muzica baroca formeaza o parte majora a canonului „muzicii clasice” si este acum studiata, interpretata si ascultata pe scara larga. Termenul „baroc” provine din cuvantul portughez barroco, care inseamna „perla deformata”. Lucrarile lui Georg Friedrich Händel si Johann Sebastian Bach sunt considerate apogeul perioadei baroc. Compozitorii cheie ai epocii baroc includ Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, François Couperin, Heinrich Schütz. , Dieterich Buxtehude si altii.

Chamber music este o forma de muzica clasica care este compusa pentru un grup mic de instrumente – in mod traditional, un grup care ar putea incapea intr-o camera a palatului sau intr-o camera mare. Cel mai larg, include orice muzica de arta care este interpretata de un numar mic de interpreti, cu un interpret la o parte (spre deosebire de muzica orchestrala, in care fiecare parte de coarde este interpretata de un numar de interpreti). Cu toate acestea, prin conventie, de obicei nu include spectacole de instrument solo.

Un cor (/ˈkwaɪər/ KWIRE; cunoscut si ca coral sau cor) este un ansamblu muzical de cantareti. Muzica corala, la randul ei, este muzica scrisa special pentru ca un astfel de ansamblu sa poata interpreta. Corurile pot interpreta muzica din repertoriul de muzica clasica, care se intinde din epoca medievala pana in prezent, sau din repertoriul de muzica populara. Majoritatea corurilor sunt conduse de un dirijor, care conduce spectacolele cu gesturi ale bratelor, mainii si fetei.
Un corp de cantareti care canta impreuna ca grup se numeste cor sau cor. Primul termen se aplica de foarte multe ori grupurilor afiliate unei biserici (indiferent daca ocupa sau nu de fapt corul), iar cel de-al doilea grupelor care concerteaza in teatre sau sali de concert, insa aceasta distinctie nu este rigida. Corurile pot canta fara acompaniament instrumental, cu acompaniamentul unui pian sau orga, un ansamblu mic sau o orchestra.
Termenul de cor are definitia secundara a unui subset al unui ansamblu; astfel se vorbeste despre „corul de suflat” al unei orchestre, sau despre diferite „coruri” de voci sau instrumente intr-o compozitie policorala. in oratoriile si masele tipice din secolele al XVIII-lea si al XXI-lea, corul sau corul este de obicei inteles ca implicand mai mult de un cantaret per parte, spre deosebire de cvartetul de solisti care apare si in aceste lucrari.

Perioada clasica a fost o era a muzicii clasice intre aproximativ 1730 si 1820.
Perioada clasica se incadreaza intre perioada baroc si perioada romantica. Muzica clasica are o textura mai usoara, mai clara decat muzica baroc, dar o utilizare mai sofisticata a formei. Este in principal omofonica, folosind o linie melodica clara peste un acompaniament subordonat de acorduri,[2] dar contrapunctul nu a fost deloc uitat, mai ales in muzica vocala liturgica si, mai tarziu in perioada, muzica instrumentala seculara. De asemenea, foloseste stilul galant care a subliniat eleganta usoara in loc de seriozitatea demna si grandoarea impresionanta a barocului. Varietatea si contrastul in cadrul unei piese au devenit mai pronuntate decat inainte, iar orchestra a crescut in dimensiune, amplitudine si putere.

Muzica clasica contemporana este muzica clasica compusa aproape de zilele noastre. La inceputul secolului al XXI-lea, se referea in mod obisnuit la formele moderne de muzica post-tonala post-1945 dupa moartea lui Anton Webern si includea muzica in serie, muzica electronica, muzica experimentala si muzica minimalista. ] Formele mai noi de muzica includ muzica spectrala si post-minimalismul.

Performanta informata istoric (denumita si performanta de perioada, interpretare autentica sau HIP) este o abordare a interpretarii muzicii clasice, care isi propune sa fie fidela abordarii, modului si stilului erei muzicale in care o opera a fost conceputa initial. .
Se bazeaza pe doua aspecte cheie: aplicarea aspectelor stilistice si tehnice ale performantei, cunoscute sub denumirea de practica de performanta; si utilizarea instrumentelor de epoca care pot fi reproduceri ale instrumentelor istorice care erau in uz la momentul compozitiei originale si care au, de obicei, un timbru si un temperament diferit fata de echivalentele lor moderne. Un alt domeniu de studiu, cel al schimbarii asteptarilor ascultatorilor, este din ce in ce mai mult investigat.

Impresionismul in muzica a fost o miscare intre diversi compozitori din muzica clasica occidentala (in special la sfarsitul secolului al XIX-lea si inceputul secolului al XX-lea) a carei muzica se concentreaza pe starea de spirit si atmosfera, „transmitand starile si emotiile trezite de subiect, mai degraba decat o imagine detaliata a tonului”. . „Impresionism” este un termen filosofic si estetic imprumutat din pictura franceza de la sfarsitul secolului al XIX-lea dupa Impresia lui Monet, rasaritul soarelui. Compozitorii au fost etichetati impresionisti prin analogie cu pictorii impresionisti care folosesc culori puternic contrastante, efectul luminii asupra unui obiect, prim-plan si fundal neclar, perspectiva aplatizata etc. pentru a-l face pe observator sa-si concentreze atentia asupra impresiei generale.
Cea mai proeminenta trasatura a impresionismului muzical este utilizarea „culorii”, sau in termeni muzicali, a timbrului, care poate fi realizata prin orchestrare, utilizare armonica, textura etc. Alte elemente ale muzicii Impresionismul implica, de asemenea, noi combinatii de acorduri, tonalitate ambigua, armonii extinse, folosirea unor moduri si scale exotice, miscare paralela, extramuzicalitate si titluri evocatoare precum Reflets dans l’eau (Reflectii pe apa, 1905), Brouillards (Ceturi, 1913) etc.

Muzica medievala cuprinde muzica sacra si seculara a Europei de Vest in timpul Evului Mediu,[1] din aproximativ secolele VI-XV. Este prima si cea mai lunga epoca majora a muzicii clasice occidentale si este urmata de muzica renascentist; cele doua epoci cuprind ceea ce muzicologii numesc in general muzica veche, precedand perioada de practica comuna. in urma impartirii traditionale a Evului Mediu, muzica medievala poate fi impartita in muzica medievala timpurie (500–1150), inalta (1000–1300) si tarzie (1300–1400).
Muzica medievala include muzica liturgica folosita pentru biserica si muzica seculara, muzica nereligioasa; exclusiv muzica vocala, cum ar fi cantul gregorian si muzica corala (muzica pentru un grup de cantareti), muzica exclusiv instrumentala si muzica care utilizeaza atat voci, cat si instrumente (de obicei, cu instrumentele care insotesc vocile). Cantul gregorian a fost cantat de calugari in timpul Liturghiei catolice. Liturghia este o reconstituire a Cinei Tainei a lui Hristos, menita sa ofere o legatura spirituala intre om si Dumnezeu. O parte din aceasta legatura a fost stabilita prin muzica.

 

Muzica minimala (numita si minimalism) este o forma de muzica artistica sau alta practica compozitionala care utilizeaza materiale muzicale limitate sau minime. Trasaturile proeminente ale muzicii minimaliste includ modele sau pulsuri repetitive, drone stabile, armonie consanica si reiterarea frazelor muzicale sau a unitatilor mai mici. Poate include caracteristici precum schimbarea de faza, care rezulta in ceea ce se numeste muzica de faza, sau tehnici de proces care urmeaza reguli stricte, de obicei descrise ca muzica de proces. Abordarea este marcata de o abordare non-narativa, non-teleologica si nereprezentativa si atrage atentia asupra activitatii de ascultare concentrandu-se pe procesele interne ale muzicii.

Neoclasicismul in muzica a fost o tendinta din secolul al XX-lea, in special in perioada interbelica, in care compozitorii au cautat sa revina la precepte estetice asociate conceptului larg definit de “clasicism”, si anume ordinea, echilibrul, claritatea, economia si retinerea emotionala. Ca atare, neoclasicismul a fost o reactie impotriva emotionalismului nerestrictionat si a perceput caracterul romanticismului tarziu, precum si un “apel la ordine” dupa fermentarea experimentala a primelor doua decenii din secolul al XX-lea. Impulsul neoclasic si-a gasit expresia in astfel de caracteristici ca folosirea fortelor performante in joc, accentul pe ritm si pe textura contrapunativa, o armonie tonala actualizata sau extinsa si o concentrare asupra muzicii absolute, spre deosebire de muzica de program romantica.
in forma si tehnica tematica, muzica neoclasica a atras adesea inspiratia de la muzica din secolul al XVIII-lea, desi canonul inspirat a apartinut cat de frecvent la perioadele baroce si chiar mai devreme in ceea ce priveste perioada clasica – din acest motiv, muzica care atrage inspiratie din punct de vedere baroc este uneori denumita muzica neo-baroca. Neoclasicismul a avut doua linii nationale distincte de dezvoltare, franceza (procedand partial de influenta lui Erik Satie si reprezentata de Igor Stravinsky, care era de fapt nascuta rusa) si germana (procedand de la “noua obiectivitate” a Ferruccio Busoni, care era de fapt Italiana si reprezentata de Paul Hetemith). Neoclasicismul a fost o tendinta estetica mai degraba decat o miscare organizata; Chiar si multi compozitori nu se gandeau de obicei ca “neoclasicistii” absorbiti elemente ale stilului.

Opera este o forma de teatru in care muzica este o componenta fundamentala, iar roluri dramatice sunt preluate de cantareti. O astfel de „opera” (traducerea literala a cuvantului italian „opera”) este de obicei o colaborare intre un compozitor si un libretist si incorporeaza o serie de arte spectacolului, cum ar fi actoria, decorul, costumul si, uneori, dansul sau baletul. Spectacolul este sustinut de obicei intr-o opera, insotit de o orchestra sau un ansamblu muzical mai mic, care de la inceputul secolului al XIX-lea a fost condus de un dirijor. Desi teatrul muzical este strans legat de opera, cele doua sunt considerate a fi distincte unul de celalalt.
Opera este o parte cheie a traditiei muzicii clasice occidentale. inteleasa initial ca o piesa in intregime cantata, spre deosebire de o piesa cu cantece, opera a ajuns sa includa numeroase genuri, inclusiv unele care includ dialogul vorbit, cum ar fi teatrul muzical, Singspiel si Opéra comique. in opera traditionala cu numere, cantaretii folosesc doua stiluri de cantare: recitativ, un stil flexat de vorbire si arii autonome. Secolul al XIX-lea a vazut ascensiunea dramei muzicale continue.

Polifonia este un tip de textura muzicala constand din doua sau mai multe linii simultane de melodie independenta, spre deosebire de o textura muzicala cu o singura voce, monofonie sau o textura cu o voce melodica dominanta insotita de acorduri, omofonie.
in contextul traditiei muzicale occidentale, termenul de polifonie este de obicei folosit pentru a se referi la muzica din Evul Mediu tarziu si Renastere. Formele baroc, cum ar fi fuga, care ar putea fi numite polifonice, sunt de obicei descrise ca fiind contrapunctice. De asemenea, spre deosebire de terminologia de specie a contrapunctului, [clarificarea necesara] polifonia a fost in general fie „pitch-contra-pitch” / „punct-contra-punct” sau „sustained-pitch” intr-o parte cu melisme de lungimi diferite in alta . in toate cazurile, conceptia a fost probabil ceea ce Margaret Bent (1999) numeste „contrapunct diadic”, fiecare parte fiind scrisa in general impotriva unei alte parti, cu toate partile modificate daca este necesar in final. Aceasta conceptie punct contra punct se opune „compozitiei succesive”, in care vocile erau scrise intr-o ordine, fiecare voce noua incadrandu-se in intregul construit pana acum, ceea ce era asumat anterior.
Termenul de polifonie este, de asemenea, folosit uneori mai larg, pentru a descrie orice textura muzicala care nu este monofonica. O astfel de perspectiva considera homofonia ca un subtip de polifonie.

Muzica Renasterii este inteleasa in mod traditional ca acopera muzica europeana din secolele al XV-lea si al XVI-lea, mai tarziu decat epoca Renasterii, asa cum este inteleasa in alte discipline. in loc sa inceapa de la inceputul secolului al XIV-lea ars nova, muzica Trecento a fost tratata de muzicologie ca o coda a muzicii medievale, iar noua era dateaza de la cresterea armoniei triadice si raspandirea stilului „contenance angloise” din Marea Britanie pana in Scoala din Burgundia. Un punct de referinta convenabil pentru sfarsitul sau este adoptarea basso continuu la inceputul perioadei baroc.
Perioada poate fi subdivizata aproximativ, o perioada timpurie corespunzand carierei lui Guillaume Du Fay (c. 1397–1474) si cultivarii stilului cantilena, un mijloc dominat de scoala franco-flamanda si texturile in patru parti favorizate de Johannes. Ockeghem (1410 sau 20 – 1497) si Josquin des Prez (sfarsitul anilor 1450 – 1521), culminand in timpul Contrareformei in contrapunctul florid de la Palestrina (c. 1525 – 1594) si scoala Romana.

in muzica, serialismul este o metoda de compunere care utilizeaza serii de inaltimi, ritmuri, dinamici, timbre sau alte elemente muzicale. Serialismul a inceput in primul rand cu tehnica in douasprezece tonuri a lui Arnold Schoenberg, desi unii dintre contemporanii sai au lucrat, de asemenea, pentru a stabili serialismul ca o forma de gandire post-tonala. Tehnica cu douasprezece tonuri ordoneaza cele douasprezece note ale scarii cromatice, formand un rand sau o serie si oferind o baza unificatoare pentru melodia, armonia, progresiile structurale si variatiile unei compozitii. Alte tipuri de serialism functioneaza si cu decoruri, colectii de obiecte, dar nu neaparat cu serii de ordine fixa si extind tehnica la alte dimensiuni muzicale (numite adesea „parametri”), cum ar fi durata, dinamica si timbrul.

Termenul de cvartet de coarde se poate referi fie la un tip de compozitie muzicala, fie un grup de patru persoane care le joaca. Multi compozitori de la mijlocul secolului al XVIII-lea au scris cvartete de coarde. Ansamblul muzical asociat este alcatuit din doi violonisti, un violist si un celist.
Cvartetul de coarde a fost dezvoltat in forma sa actuala de compozitorul austriac Joseph Haydn, ale carui lucrari din anii 1750 a infiintat ansamblul ca un grup de patru parteneri mai mult sau mai putin egali. Deoarece Haydn Cvartetul de coarde a fost considerat o forma de prestigiu; Scrierea pentru patru instrumente cu caracteristici similare, ambele constrange si testeaza un compozitor. Compozitia cvartetului de coarde a inflorit in epoca clasica si Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven si Franz Schubert, fiecare au scris un numar de ele. Multi compozitori romantic si de la inceputul secolului al XX-lea au compus cvartete de coarde, inclusiv Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Antonín Dvořák, Leoš Janáček si Claude Debussy. in secolul al XIX-lea a existat o usoara inaltare in secolul al XX-lea, dar a primit o renastere in secolul al XX-lea, cu cea de-a doua scoala vieneza, Béla Bartók, Dmitri Shostakovich, Milton Babbitt si Elliott Carter, producand exemple foarte apreciate ale genului, si ramane o forma muzicala importanta si rafinata.